VIDEO SHOWS
Nell Shipman, “The Girl from God’s Country”
Sono - incredibilmente - passati 20 anni da quando i film di Nell Shipman onorarono
con la loro presenza gli schermi delle Giornate. I veterani li ricorderanno
con piacere, ma per tutti coloro che potrebbero scoprirli da capo, o per
la primissima volta, ecco alcuni cenni introduttivi su Nell e la sua carriera.
Buona visione!
Nell Shipman (1892-1970), al secolo Helen Barham, era nata a Victoria, in British
Columbia; quando aveva circa 5 anni, la sua famiglia si trasferì a Seattle, nello stato di Washington. Da adolescente si unì ad una compagnia teatrale in tournée in Alaska e nel Nord-Ovest del Pacifico. A 18 anni sposò l’imprenditore cinematografico canadese Ernest Shipman. In California, prima e
dopo la nascita del figlio Barry (che sarebbe diventato l’autore di serial classici come Flash Gordon), Nelly prese a scrivere sceneggiature, in particolare una serie per la Universal, “Under the Crescent”. Seguirono ruoli da non protagonista in produzioni Universal, Fox e Vitagraph.
Nel 1915 la Shipman fu scelta come protagonista nel dramma in esterni God’s Country and the Woman, dell’immensamente popolare James Oliver Curwood. Fu il ruolo che le affibbiò un soprannome e la mise in cammino verso una breve fama ed una lunga e immeritata
oscurità, vittima – come hanno fatto notare altri scrittori – del sistema in ascesa degli studi e della società patriarcale di Hollywood.
Nel 1919, adattando un racconto di Curwood e ribattezzandolo Back to God’s Country, la Shipman interpretò da protagonista quel che divenne un successo internazionale e che è, oggi, il più vecchio lungometraggio conservato girato (parzialmente) in Canada. Separatasi
da Ernest, fondò nel 1920 la Nell Shipman Productions e realizzò una serie di film a due rulli e di lungometraggi girati in California, nello
stato di Washington ed infine nel suo campo-studio, Lionhead Lodge, situato sulle
rive del lago Priest, in una striscia di terra nel nord dell’Idaho. Girati in esterni e spesso in condizioni assai ardue, i film della Shipman
(abilmente fotografati da Joseph Walker e Robert Newhard) colpiscono gran parte
degli spettatori contemporanei come assai notevoli. Sono “Indipendenti”. Sono “Verdi”, ed esprimono rispetto per la Natura, proponendo con la fauna un legame di affinità, non il dominio o lo sterminio. Un’altra cosa di rilievo? Le produzioni Shipman hanno sempre una donna nei panni
dell’eroina, aiutata da un fedele amico animale. – Tom Trusky
Incredibly, it has been 20 years since Nell Shipman’s films first graced the screens of the Giornate. Festival veterans will remember
them with fondness. But for all those who may be discovering them afresh, or
for the very first time, here are some introductory facts about the lady and
her career. See the films, and enjoy!
Nell Shipman (1892-1970) was born Helen Barham, in Victoria, British Columbia.
Her family moved to Seattle, Washington, when she was about 5 years old. As a
teenager she joined a theatrical company that toured Alaska and the Pacific Northwest.
At 18 she married Canadian film entrepreneur Ernest Shipman. In California, before
and after the birth of their son Barry (later the writer of such classic serials
as Flash Gordon), Nell began writing scenarios, most notably a series for Universal, “Under the Crescent.” Supporting roles followed in Universal, Fox, and Vitagraph productions. In 1915
Shipman was selected for the lead in immensely popular author James Oliver Curwood’s outdoor drama God’s Country and the Woman. This was the role that gave her a nickname, and placed her on a path to brief
fame and long-lived, undeserved obscurity, a victim, other writers have observed,
of the rising studio system and a Hollywood patriarchy.
In 1919, adapting a Curwood short story and re-titling it Back to God’s Country, Shipman starred in what became an international hit that is, today, the earliest
surviving feature film shot (partially) in Canada. Now separated from Ernest,
she founded Nell Shipman Productions in 1920. She proceeded to make a series
of two-reelers and feature films in California, Washington, and, finally, at
her wilderness studio-camp, Lionhead Lodge, on the shores of Priest Lake in the
panhandle of north Idaho. Shot on location and often in the most arduous of conditions,
Shipman’s films (beautifully photographed by Joseph Walker and Robert Newhard) strike
most contemporary viewers as remarkably relevant. They are “Indies”. They are “Green”, expressing a reverence for Nature, and espousing kinship with wildlife, not
its domination or extermination. Equally notable? A Shipman production always
casts a woman as its hero, assisted by a faithful animal friend. – Tom Trusky
THE GRUB-STAKE (Nell Shipman Productions, Inc., US 1922)
Regia/dir: Bert Van Tuyle, con/with Nell Shipman; scen: Nell Shipman; f./ph: Joseph B. Walker, Robert S. Newhard; mont./ed: Nell Shipman, asst. Bert Van Tuyle; cast: Nell Shipman (Faith Diggs), Walt Whitman (“Skipper” Diggs), Alfred Allen (Mark Leroy), Lillian Leighton (Dawson Kate), George Berrell
(Michael Murry [“Malamute Mike”]), Hugh Thompson (Jeb, il figlio di Kate/Kate’s son), C.K. Van Auker (poliziotto a cavallo/The Mountie), Ah Wing (Wong, Leroy’s assistant), Marjorie Warfield (studente d’arte/art student), Lloyd Peters (banconiere/bartender), Lady (il cane di Mike/Malamute Mike’s dog); lg. or./orig. l: 8 rl.; DVD, 100’ (trascritto a/transferred at21 fps), col. (riproduzione dell’imbibizione originale/reproducing original tinting), mus: The Bijou Orchestrette; fonte copia/source: Idaho Film Collection at Boise State University.
Didascalie in inglese / English intertitles.
Il magnum opus di Nell Shipman, che racconta il tentativo da parte di una donna di gestire
carriera e rapporti personali nel Nord-Ovest del Pacifico (Seattle, il Klondike
e le lande dell’Alaska – la “Valle Perduta”), riappare sullo schermo interamente restaurato. Presentata in precedenza a
Pordenone, nel 1987, in un bianco e nero a 35mm, questa versione (approntata
per la serie in DVD “The Nell Shipman Collection, Volume III”) è stata imbibita elettronicamente. Per questo restauro sono state seguite le istruzioni
per l’imbibizione rinvenute sul negativo conservatosi del BFI di The Romance of Lost Valley – il titolo di distribuzione britannico per The Grub-Stake. La versione in DVD è ricavata dalla copia dei Canadian Archives; la nuova colonna sonora è stata composta ed eseguita da un gruppo musicale dell’Idaho, The Bijou Orchestrette (John Hayes ed Eberle Umbach). – Tom Trusky
Nell Shipman’s magnum opus chronicling a woman’s attempt to master career and relationships in the Pacific Northwest (Seattle,
the Klondike, and the Alaskan wilderness – “Lost Valley”) re-screens fully restored. Previously shown in a 35mm b&w version at Pordenone in 1987, this version (prepared for the DVD series “The Nell Shipman Collection, Volume III”) has been electronically tinted. Tinting instructions found on the surviving
BFI negative of The Romance of Lost Valley – the British release title for The Grub-Stake – have been followed for this restoration. The DVD version is taken from the Canadian
Archives print of the film; its new score was composed and performed by the
Idaho musical group, The Bijou Orchestrette (John Hayes and Eberle Umbach).
Tom Trusky
AT LIONHEAD: NELL SHIPMAN IN IDAHO, 1922-1925 (The Idaho Film Collection / Pretty Good Productions, Inc., US 2007)
Regia/dir, f./ph: Paul Brand; scen: Tom Trusky; cast: Larry Townsend, Janet Davis, Nancy Hanks, Bonnie Bedelia, Tom Trusky, Bud Justice;
DVD, 55’ (24 fps), colore/colour, sonoro/sound; fonte copia/source: Idaho Film Collection at Boise State University.
Versione originale in inglese / English dialogue and narration.
Questo approfondito documentario dà conto delle attività personali e professionali della Shipman: il suo arrivo e la sua partenza, nel
1922, dal Minnehaha Studio di Spokane, nello stato di Washington; lo spostamento
di famiglia, cast, troupe, attrezzatura e zoo nelle lande del nord dell’Idaho, quello stesso anno, e il crollo finale della compagnia nel 1925 (oltre
al suo rapporto con l’amante Bert Van Tuyle) al suo campo-studio, Lionhead Lodge, sulle rive del lago
Priest, sempre in Idaho. Tra i pezzi forti del programma (un filmato extra del
DVD “The Nell Shipman Collection, Volume III”): una spedizione per trovare la tomba del cane star della Shipman, l’alano Tresore, avvelenato a Lionhead, e le scorribande per terra e per acqua
per scoprire il sito del Lone Star Ranche, di proprietà della confidente (e co-star) della Shipman, Belle Angstadt. Il programma si
chiude con le recenti (2007) scoperte dei documenti della compagnia e di foto
mai viste prima della “ragazza che viene dal paese di Dio”. – Tom Trusky
This in-depth documentary chronicles Shipman’s personal and professional activities: her arrival at and departure from the
Minnehaha Studio in Spokane, Washington, in 1922, her transporting family, cast,
crew, equipment, and zoo to north Idaho wilderness that same year, and the ultimate
collapse in 1925 of the company (and her relationship with lover Bert Van Tuyle)
at her studio camp, Lionhead Lodge, on the shores of Priest Lake, Idaho. Highlights
of the program (a supplementary feature on the DVD “The Nell Shipman Collection, Volume III”) include an expedition to locate the grave of Shipman’s star dog, Tresore, a Great Dane who was poisoned at Lionhead, and forays on
lake and land to discover the site of Lone Star Ranche, owned by Shipman confidante
(and co-star) Belle Angstadt. The program concludes with recent (2007) discoveries
of company records and never-before-seen photographs of “The Girl from God’s Country”. – Tom Trusky
ANNA MAY WONG – FROSTED YELLOW WILLOWS: HER LIFE, TIMES AND LEGEND (Woo Neiman Productions, US 2007)
Regia/dir., scen: Elaine Mae Woo; prod: Kathy D. Mazza, Ed Manwell; prod. assoc./assoc. prod: Jean Lau, Ben Wong; mont./ed: Stephen Burch; mont./ed., eff. digitali/digital effects:Stephen Waichulis; grafica/graphic des:Ellen Leong Blonder; narr: Nancy Kwan; ringraziamenti / acknowledgements for help: Nancy Kwan, Kevin Brownlow, A.C. Lyles, Judy Yung, Philip Leibfried, Leonard
Maltin, Law Kar; Betacam SP, 60’ (sonoro/sound); fonte copia/source: Woo Neiman Productions, Los Angeles.
Versione originale in inglese / English dialogue and narration
.
Elaine Mae Woo ha impiegato una decina d’anni per realizzare questo documentario biografico, che comprende interviste
ai familiari di Anna May Wong, agli amici d’infanzia e ai colleghi di Hollywood. Con la sua disarmante sensualità e la sua autorevole presenza, Anna May Wong (1905-1961) ha definito l’immagine della “donna drago”.Commentato da Nancy Kwan, il documentario racconta la storia di una donna cino-americana
che dovette sopportare privazioni e patimenti per diventare una diva cinematografica
internazionale. Di umili origini, ebbe il suo primo lavoro in una lavanderia
cinese e a 14 anni debuttò nel cinema arrivando ad essere la protagonista di film quali The Toll of the Sea (1922), uno dei primi esempi di Technicolor, The Thief of Bagdad([Il ladro di Bagdad] 1924) con Douglas Fairbanks, Peter Pan (1924) di Herbert Brenon, Piccadilly (1929) di E.A. Dupont, Shanghai Express (1932) di Josef von Sternberg. Successivamente, durante la seconda guerra mondiale,
avrebbe sfruttato la sua notorietà per aiutare il proprio paese e la patria ancestrale. Il corpus dei suoi film
la colloca di diritto nel pantheon delle star del muto. - David Robinson
Elaine Mae Woo spent some ten years making this biographical documentary, interviewing
members of Anna May Wong’s family, childhood friends, and Hollywood colleagues. With her disarming sensuality
and commanding presence, Anna May Wong (1905-1961) defined the image of the “Dragon Lady”. Narrated by Nancy Kwan, the documentary tells the story of a Chinese-American
woman who endured many hardships and heartaches to become an international
film star. From humble beginnings and a first job in a Chinese laundry, she
entered
films at 14, and went on to star in pictures including the early Technicolor The Toll of the Sea (1922), Douglas Fairbanks’ The Thief of Bagdad (1924), Herbert Brenon’s Peter Pan (1924), E.A. Dupont’s Piccadilly (1929), and Josef von Sternberg’s Shanghai Express (1932). Later she used her fame to aid both her country and her ancestral country
during World War II. Her body of work firmly establishes her in the pantheon
of silent film stars. – David Robinson
BRISTOL SLAPSTICK TRAILER + THE AARDMAN 12 STEPS TO SLAPSTICK (Aardman Animations Ltd., GB 2006)
Regia/dir., prod., scen., concept, f./ph., scg./des., ricerche/research, eff.
spec./spec. eff., cast: Bram Ttwheam; Betacam SP, 30” + 2’10” (24 fps), sonoro/sound; fonte copia/source: Aardman Animations Ltd., Bristol, UK.
Didascalie in inglese / English intertitles (“The Aardman 12 Steps to Animation”).
Oltre che come sponsor, la Aardman Animations di Bristol è importante per il Bristol Slapstick Festival anche per l’attivo sostegno morale che assicura alla manifestazione. Per l’edizione tentuasi lo scorso gennaio, la società ha donato al festival un nuovo trailer, che Bram Ttwheam ha realizzato tutto
da solo. Le Giornate lo presentano come esemplare sintesi in mezzo minuto dell’ideale slapstick. È forse il più breve film mai fatto per il quale ci sia un “Making of”, anche questo frutto del lavoro di Ttwheam, che amabilmente minimizza l’arduo (persino nell’era digitale) compito dell’animatore. / Bristol-based Aardman Animations are an important sponsor and active moral supporter
of the Bristol Slapstick Festival. For the 2007 festival in January, the company
donated a new festival trailer, which in the outcome was the single-handed work
of Bram Ttwheam. The Giornate shows it as an exemplary half-minute abstract of
the slapstick ideal. It is perhaps the shortest film ever to have had a “Making of …” dedicated to it, again the work of Bram Ttwheam, and a pleasant understatement
of the arduous labour of animation, even in the digital era. – David Robinson
CSAK EGY KISLÁNY… – TALÁLKOZÁS EGGERTH MÁRTÁVAL (Just a Little Girl… – Meeting Márta Eggerth) (László Kerényi, HU 2004)
Regia/dir: László Kerényi, David Kerényi; narr: David Kerényi; f./ph: László Kerényi; mont./ed: László Fésüs, Dávid Kerényi; cast: Márta Eggerth, Miklós Koniger; Betacam SP, 27’, col.; fonte copia/source:Hungarian Film Archive
Versione originale ungherese, con sottotitoli in inglese / Hungarian dialogue, English subtitles
.
ll 16 maggio 2002, Márta Eggerth, che aveva allora 90 anni, diede un concerto al Theater an der Wien
di Vienna. I fratelli Kerényi hanno combinato materiale girato durante questo concerto con una breve intervista
realizzando un brillante ritratto di questa leggendaria artista, il cui primo
film Csak egy kislány van a világon (Solo una ragazza al mondo; 1930) è in programma alle Giornate di quest’anno. Personalità artistica contemporanea di Imre [Emmerich] Kálmán e di Ferenc [Franz] Lehár, Márta Eggerth è l’ultima significativa rappresentante di una grande era dell’operetta. Nonostante l’età, tiene ancora concerti, insegna e ha un grande desiderio: cantare ancora nella
nativa Ungheria, che lasciò nel 1939 senza farvi più ritorno. Attraverso materali di repertorio e fotografie è ricordato il matrimonio e il rapporto professionale con il tenore polacco Jan
Kiepura. Pur avendo vissuto negli ultimi 48 anni a New York Márta Eggerth parla ancora un ungherese perfetto. / On 16 May 2002, Márta Eggerth, then 90 years old, gave a concert in the Theater an der Wien in
Vienna. The Kerényi brothers combine footage from this concert with a short interview to present
a vivid film portrait of this legendary artist, whose first film, Csak egy kislány van a világon (Only One Girl in the World, 1930) features in this year’s Giornate.As an artistic contemporary of Imre [Emmerich] Kálmán and Ferenc [Franz] Lehár, Márta Eggerth is the vital last representative of a great era of operetta. Despite
her years she still gives concerts and teaches, and longs to sing again in
her native Hungary, which she has not visited since she left in 1939. Archive
footage
and photographs recall her marriage and professional partnership with the Polish-born
tenor Jan Kiepura. Although she has lived in New York for the past 48 years,
she still speaks perfect Hungarian. (Adapted from the production notes)
Weimar CineSalon
ERNST LUBITSCH IN BERLIN: VON DER SCHÖNHAUSER ALLEE NACH HOLLYWOOD (Ernst Lubitsch in Berlin. From Schönhauser Allee to Hollywood) (Transit Film GmbH, München, con/with Friedrich-Wilhelm-Murnau-Stiftung, Wiesbaden / Goethe Institut e.V., München / Rundfunk Berlin-Brandenburg (RBB), Berlin & Potsdam, DE 2006)
Regia/dir., scen: Robert Fischer; prod: Loy W. Arnold; f./ph: Michael Rüdiger (Berlin), Manuel Lommel (München), Jonathan Rho (Los Angeles); mont./ed: Frank Schönfelder; mus: Aljoscha Zimmermann, Sabrina Hausmann; con/with: Nicola Lubitsch, Tom Tykwer, Michael Hanisch, Hans Helmut Prinzler, Enno Patalas,
Jan-Christopher Horak, Wolfgang Becker, Dani Levy, Amanda Goodpaster, Evy Bettelheim-Bentley,
Jörg Jannings, Henny Porten, Ernst Lubitsch; premiere: 22.9.2006, San Sebastian (IFF), 19.11.2006, Hamburg (CineFest); DVD, 110’ (sonoro/sound); fonte copia/source: Transit Film GmbH, München.
Versione originale in tedesco, con sottotitoli in inglese / German, with English subtitles.
Ritratto del maestro da giovane delineato attraverso estratti dai suoi primi
film interpretati e diretti, più altri frammenti, documenti, cinegiornali e interviste alla figlia Nicola e ad
altri parenti, a cineasti e a storici. Il documentario è incluso come bonus nel cofanetto di sei DVD Ernst Lubitsch Collection (Transit Classics, Germania, 2006), che lo scorso luglio è stato premiato quale “miglior DVD” al Cinema Ritrovato di Bologna. – Hans-Michael Bock
A portrait of the master as a young man, through clips from his early films as
actor and director, fragments, documents, newsreels, and interviews with his
daughter Nicola, relatives, filmmakers, and historians. Available as a bonus
on the German DVD box-set Ernst Lubitsch Collection (Transit Classics, 2006), which received the award as best DVD edition of the
year at the 2007 Cinema Ritrovato festival in Bologna. – Hans-Michael Bock
Questo documentario fa parte degli incontri di CineSalon (si veda la sezione “L’altra Weimar”. / This film is part of the “Weimar CineSalon”, a daily series of supplementary video shows to the “Other Weimar” retrospective. For more details about the Weimar CineSalon, please see the note
at the end of the “Other Weimar” section in this catalogue
LE GIORNATE DEL CINEMA MUTO XXV (RAI 3, IT 2007)
Regia/dir: Noemi Calzolari; con (in ordine di apparizione)/with (in order of appearance): Livio Jacob, Piero Colussi, David Robinson, John Lanchbery, Francesco Ballo,
Kevin Brownlow, Paolo Cherchi Usai, Russell Merritt, Aki Kaurismaki, Fay Wray,
Patrick MacGilligan, John Russell Taylor, Mario Monicelli, Paolo Mereghetti,
Diana Serra Cary (Baby Peggy); Betacam SP, 60’ (sonoro/sound); fonte copia/source: RAI 3.
Versione originale in italiano e inglese / Italian and English dialogue.
La sede regionale della RAI “copre” le Giornate del Cinema Muto sin dalle loro origini soprattutto con servizi giornalistici,
ma anche con programmi speciali i cui autori sono stati, nel corso del tempo,
Sergio Grmek Germani, Sebastiano Giuffrida e Noemi Calzolari.
La presenza delle troupe RAI a Pordenone, e successivamente a Sacile, ha permesso
di documentare le tante presenze di archivisti, storici, attori e registi e
queste testimonianze filmate, il più delle volte di buona qualità nonostante il tempo trascorso dalle riprese, rappresenta un’importante e articolata documentazione della vita del festival e delle personalità che sono state presenti nelgli anni: Quello della RAI sulle Giornate è diventato in pratica un piccolo archivio della manifestazione.
A partire da questi materiali filmati Noemi Calzolari ha costruito un personale
omaggio ai 25 anni delle Giornate del Cinema Muto e agli incontri, alcuni veramente
commoventi o divertenti, come quelli con John Lanchbery o con John Russell Taylor
o con Mario Monicelli o Fay Wray, che la regista ha potuto fare a Pordenone e
a Sacile.
I testimoni si soffermano sull’atmosfera pionieristica dei primi anni, su come il festival è cresciuto, è cambiato, si è trasformato; su quali sono stati i passaggi decisivi, gli eventi musicali chiave
o le retrospettive più riuscite.
The regional centre of RAI has covered the Giornate del Cinema Muto from the
beginning, mainly with journalistic reports, but also with special programmes
whose authors have been, over the years, Sergio Grmek Germani, Sebastiano Giuffrida,
and Noemi Calzolari.
The presence of the RAI team in Pordenone and subsequently in Sacile has made
it possible to record the many personalities who have attended the festival – archivists, historians, actors, and directors; and these filmed records, mostly
of excellent quality despite the time that has elapsed since they were made,
represent an important and systematic documentation of the life of the festival
and of the personalities who have attended over the years. RAI’s record has become in practice a little archive of the Giornate.
Out of this film material Noemi Calzolari has created a personal homage to the 25 years of the Giornate
del Cinema Muto, and to the encounters, some truly moving or amusing, like those
with John Lanchbery or John Russell Taylor or Mario Monicelli or Fay Wray, which
she has been able to experience in Pordenone and Sacile.
The documents show the pioneering atmosphere of the first years; the way the
festival has grown, changed, and transformed itself; and what have been the decisive
events, the key musical events, or the most successful retrospectives.
JÁNOSÍK (Tatra Film Corporation, CZ 1921)
Regia/dir: Jaroslav Siakel; prod.: Ludovit Hullmann; scen: Ivan Stadtrucker; mont./ed: Patrik Pass; f./ph: Daniel Siakel, Oldrich Benes; scg./des: Frantisek Horlivy; mus: Josef Malovec; cast: T. Pistek (Janosik), K. Schleichert (Janosik Otec), M. Fabryova (Anka), V.
Sramek (Grof Sandor); ricostruzione del film diretta da / reconstruction directed by Ivan Rumanovsky; DVD, 67’ (sonoro/sound); fonte copia/source: Slovensky Filmovy Ustav/Slovak Film Institute, Bratislava.
Didascalie in inglese / English intertitles
Il film, che racconta la storia del leggendario eroe popolare Juraj
Janosik (1688-1713), realizzato da emigranti americani originari
della Slovacchia, è stato girato, fra l’altro, a Blatnica (nella residenza del barone Prónay), a Sutovo (che nel film divenne Terchova, il villaggio dove nacque Janosik),
alle cascate di Sutovo, a Praga, Orava e nella valle di Blatnicka oltre nei praghesi
AB Vinohrady Studios. Anteprime del film hanno avuto luogo il 25 novembre 1921
a Praga e il primo dicembre 1921 a Chicago. Nel 1995 l’UNESCO ha inserito questa pellicola nel National Cinematography Heritage. La
versione americana del film è stata ricostruita nel 1975 ed è stata dotata di una colonna sonora.
“Per il primo lungometraggio di produzione slovacca è stata giustamente scelta la vita di Janosik il più romantico personaggio delle leggende e della poesia di questo popolo. Janosik è figlio delle genti e delle montagne della Slovacchia e la rappresentazione della
sua vita è una vera e propria miniera in particolare per quanto riguarda le tradizioni
popolari della Slovacchia”. (Dedor Ruppeldt, “Discourse on Automobiles, Airplanes and the Film about Janosik,” Zivena n. 1/1922. Dal DVD “Janosik, I-II”, Slovenska Filmova Klasika/Slovenska Televizna Klasijka, Bratislava, 2006)
The story of the legendary folk-hero Juraj Janosik (1688-1713), filmed by American
immigrants of Slovak origin. Janosik is the first Slovak full-length motion picture. It was shot on location simultaneusly
by two cameras at Blatnica (the mansion of Baron Prónay), Sutovo (as Janosik’s native village of Terchova), the Sutovo waterfalls, Prague, Orava, the Blatnicka
Valley, and in the AB Vinohrady Studios in Prague. Premieres of the film took
place on 25 November 1921 in Prague and 1 December 1921 in Chicago. In 1995
UNESCO entered this film onto its register as a landmark of our national film
heritage.
As early as 1975, a preserved American film copy was reconstituted and provided
with sound.
“For the first Slovak film they rightly chose the the history of Janosik, the
most romantic character of Slovak legends and poetry. Janosik is a child of the
people and the mountains of Slovakia. His story contains an infinite treasure,
especially in its pictorial presentation of the Slovak people and the Slovak
land.” (Dedor Ruppeldt, “Discourse on Automobiles, Airplanes and the Film about Janosik,” Zivena no. 1/1922: documentation with the DVD Janosik, I-II, Slovenska Filmova Klasika/Slovenska Televizna Klasijka, Bratislava, 2006)
KURT GERRONS KARUSSELL(Kurt Gerron’s KARUSSELL)(TV-Ventures, Berlin, con/with Filmmuseum, Amsterdam; Vera Vista, Praha; arte/SFB; DE/NL/CZ 1999)
Regia/dir: Ilona Ziok; prod: Ilona Ziok, Vera Lastuvkova, Thomas Mertens, Frank Roumen; f./ph: Jacek Blawut; mont./ed: Christina Graff, Silke Regele; cast: Ute Lemper, Bente Kahan, Ursula Ofner, Ben Becker, Max Raabe, Schall & Hauch; esecuzioni musicali/music performed by: Jeff Cohen, Manuel Göttsching, Christoph Israel, Miroslaw Kuzniak, Willy Sommerfeld, Dariusz Swinoga; interv: Camilla Spira, Renée St. Cyr, Salle Fischermann, Ivan Fric, Roy Kift, Paul Kijzer, Werner Löwenhardt, Hans Margules, Coco Schumann, Herbert Shenkman, Louis de Wijze; Betacam
SP, 63’ (sonoro/sound), bn e colore/b&w and colour; fonte copia/source: TV-Ventures, Berlin.
Versione originale tedesca (con sottotitoli in inglese) / German dialogue, English subtitles
.
Soggetto di questo documentario è il destino di Kurt Gerron [1897-1944], il corpulento showman ebreo tedesco che
interpretòDer Blaue Engel(L’angelo azzurro) a fianco della Dietrich e di Jannings. Ilona Ziok ha scelto di raccontarne la
storia perché dolorosamente rappresentativa di un aspetto poco documentato dell’Olocausto: la persecuzione delle personalità dello spettacolo di origine ebrea (attori, cantanti, musicisti) e il loro internamento
nel campo di concentramento di Theresienstadt. Privati della libertà, del cibo e della speranza, i prigionieri del campo potevano fare solo ciò che sapevano fare meglio: metter su spettacoli e fare musica.
La Ziok opta per una ricostruzione cronologica della vita di Gerron passando
attraverso le diverse città in cui egli scelse di abitare e lavorare, o vi fu costretto. Accompagnato da
immagini d’archivio, il biografo dell’artista, Roy Kift, ci porta da Berlino a Parigi, ad Amsterdam, al campo di transito
di Westerbork, a Theresienstadt ed infine ad Auschwitz.
Il film ricrea lo spettacolo di cabaret scritto e messo in scena da Gerron
durante la prigionia a Theresienstadt: il “Karussell”. Ute Lemper, Max Raabe (Der bewegte Mann) e Ben Becker (Comedian Harmonists) eseguono le canzoni di Gerron davanti ad un pubblico composto da sopravvissuti
di Theresienstadt. La combinazione dell’ironia agrodolce delle canzoni cabarettistiche composte su e a Theresienstadt
con disegni di quell’inferno in terra che era il campo è di una raggelante efficacia.
Coloro che avevano conosciuto Gerron ed avevano lavorato con lui raccontano
i loro aneddoti su questo personaggio sfuggente, che era stato una volta descritto
come “il fantasma della notte”. Il fornaio di Theresienstadt ricorda come Gerron gli avesse dato lezione di
dizione per un’ora in cambio di una pagnotta. L’attrice Renée St. Cyr rammenta come egli fosse riuscito a persuaderla a girare una scena
di nudo sotto la doccia – qualcosa di inaudito all’epoca.
La tragedia finale di Gerron, così simbolica della sorte di migliaia di internati di Theresienstadt, sta nel fatto
che egli credeva che i suoi spettacoli nel campo lo avrebbero mantenuto in vita:
il “Karussell” come Cabaret della Vita. Accettò persino di dirigere, per conto dei nazisti, un film di propaganda sul campo –“una città regalata agli ebrei”– in cambio della promessa che gli sarebbe stata risparmiata la camera a gas.
Ignaro che i nazisti avevano già deportato ad Auschwitz intere orchestre, Gerron fu costretto a supplicare che
gli venisse salvata la vita. Invano.
È Roy Kift che conclude questo commovente documentario raccontando gli ultimi
momenti di Gerron ad Auschwitz: il destino di un uomo grande e grosso che avrebbe
potuto diventare enorme, ma che fu ridotto a pelle e ossa – ed infine in cenere – dalla macchina di morte nazista. (Alison Hindhaugh, recensione in DOX [bimestrale sul documentario cinematografico europeo], n. 18, agosto 1998)
The fate of Kurt Gerron [1897-1944], the corpulent German-Jewish entertainer
who played alongside Dietrich and Jannings in The Blue Angel, is the subject of this documentary. Ilona Ziok has chosen to tell Gerron’s story because it is poignantly representative of a lesser-documented aspect
of the Holocaust: the persecution of Jewish show people (actors, singers, musicians)
and their internment in the concentration camp of Theresienstadt. Deprived
of freedom, food, and hope, the prisoners of Theresienstadt could only do what
they
did best: put on shows and make music.
Structurally, Ziok opts for a chronological account of Gerron’s life via the various cities where he chose to – or was forced to – live and work. Accompanied by archival footage, Gerron’s biographer Roy Kift takes us from Berlin to Paris, Amsterdam, Westerbork deportation
camp, Theresienstadt, and, finally, Auschwitz.
The film is the re-creation of Gerron’s cabaret show which he wrote and staged while a prisoner in Theresienstadt:
the Karussell [Carousel]. Ute Lemper, Max Raabe (Der bewegte Mann), and Ben Becker (Comedian Harmonists) perform Gerron’s songs to an audience of those who were with him in Theresienstadt, yet survived.
The combination of the ironic, bittersweet cabaret style of the songs written
about and in Theresienstadt with drawings of the living hell of the camp is
chillingly effective.
Those who knew and worked with Gerron recount their anecdotes of this elusive
character, who was once described as “the night ghost”. The baker of Theresienstadt remembers how Gerron gave him a one-hour elocution
lesson in return for a loaf of bread. Actress Renée St. Cyr recalls how Gerron finally managed to persuade her into shooting a
nude shower scene – something unheard-of at the time.
The final tragedy of Gerron’s fate, so representative of the fate of thousands of Theresienstadt prisoners,
lies in the fact that he believed that his showbusiness activities within the
camp would keep him alive: the “Karussell” as Cabaret of Life. He even agreed to direct a propaganda film for the Nazis
about the camp – “a city given to the Jews as a gift” – in return for a promise that he would be spared the gas chambers. Unaware that
the Nazis had already deported entire orchestras to Auschwitz, Gerron was forced
to beg for his life to be spared. In vain.
It is left to Roy Kift to close this deeply moving documentary by recounting
Gerron’s final moments in Auschwitz: the fate of a big, big man who could have been
huge, but who was reduced to skin and bone – and finally ashes – by the Nazi killing machine. (Alison Hindhaugh, DOX (European Documentary Network bi-monthly magazine), no. 18, August 1998)
Anteprima mondiale / World premiere
A SILENT STAR (Noye Productions, NE 2007)
Regia/dir., f./ph: Vera Iwerebor; scen., mont./ed: Vera Iwerebor, Mark Crama; consulente/consultant:Sam Pollard; cast: Anita Page, Randal Malone, Margaret O’Brien, [Baby] Rosemarie; DVD, 30’ (sonoro/sound); fonte copia/source: Vera Iwerebor.
Versione originale in inglese / English dialogue
.
Viaggio della filmmaker a Hollywood, dove trova ciò che è rimasto dell’Epoca d’oro, un mondo che l’affascina da quando aveva otto anni. L’ultima stella del muto, Anita Page, vive con Randal Malone. È lui che si prende cura di lei e che ha aperto la porta… nella casa si respirano gli anni Venti e Trenta, il periodo in cui Anita era
una diva di Hollywood. – Vera Iwerebor
Nata nel 1910, Anita Page fece le sue prime apparizioni non accreditate nel 1925,
in A Kiss for Cinderella e in Love ’Em and Leave ’Em. Altri famosi titoli successivi sono Our Dancing Daughters (1928) e The Broadway Melody (1929). Fu la partner di Buster Keaton in Free and Easy (Chi non cerca trova; 1930) e in Sidewalks of New York (1931). Lasciò il cinema nel 1936, ma nei primi anni Duemila ha fatto varie partecipazioni
straordinarie.
Anita Page, born in 1910, made her first uncredited appearances in A Kiss for Cinderella and Love ’Em and Leave ’Em in 1925. Later notable films were Our Dancing Daughters (1928) and The Broadway Melody (1929). She was Buster Keaton’s leading lady in Free and Easy (1930) and Sidewalks of New York (1931). She left films in 1936, but made several guest appearances in the early
2000s. – Vera Iwerebor
The filmmaker’s journey to Hollywood, where she finds what is left of Hollywood’s Golden Era, a world about which she has been fascinated since she was eight.
The last silent star, Anita Page, lives with Randal Malone. He is her caretaker,
and opened the door...the house breathes like the 20s and 30s, the period when
Anita was a star in Hollywood.
Vera Iwerebor
Anita Page, born in 1910, made her first uncredited appearances in A Kiss for Cinderella and Love ’Em and Leave ’Em in 1925. Later notable films were Our Dancing Daughters (1928) and The Broadway Melody (1929). She was Buster Keaton’s leading lady in Free and Easy (1930) and Sidewalks of New York (1931). She left films in 1936, but made several guest appearances in the early
2000s.
TRUE HEART SUSIE (Amore sulle labbra) (D.W. Griffith; Griffith’s Short Story Series, US 1919)
Regia/dir., prod: D.W. Griffith; scen: “Marian Fremont” [D.W. Griffith]; f./ph: G.W. Bitzer; cast: Lillian Gish (Susie), Loyola O’Connor (sua zia/Susie’s aunt), Robert Harron (William Jenkins), Wilbur Higby (suo padre/William’s father), Clarine Seymour (Bettina), Kate Bruce (la zia di Bettina/Bettina’s aunt), Raymond Cannon (Sporty Malone), Carol Dempster (l’amica di Bettina/Bettina’s chum), George Fawcett (il truffatore/The “Four-flusher”); edizione DVD prodotta da/DVD edition produced by David Shepard, copyright 2007 di/by Film Preservation Associates; DVD, 87’ (trascritto a/transferred at 17 fps), col. (riproduzione dell’imbibizione originale/reproducing original tinting), mus: Rodney Sauer, eseguito
da/performed by The Mont Alto Motion Picture Orchestra; fonte copia/source: Film Preservation Associates, Hat Creek, Calif.
Didascalie in inglese / English intertitles.
Le Giornate del Cinema Muto del 2006 si erano inaugurate con la presentazione
di True Heart Susie, accompagnato da una nuova partitura musicale di Giovanni Spinelli. All’epoca, l’unica copia disponibile del film, conservata presso il Danish Film Institute
proveniva da un internegativo, ed era stata stampata una quarantina di anni prima
dal National Film Archive di Londra. Il film colpì moltissimo il pubblico, confermando l’opinione di Pauline Kael che, anni addietro, lo aveva definito “uno dei più affascinanti di D.W. Griffith. Un piccolo capolavoro quasi perfetto”.
Siamo perciò estremamente lieti di poter ripresentare il film alle Giornate, nella nuova
versione digitale magistralmente restaurata da David Shepard e Film Preservation
Associates, in collaborazione con il British Film Institute, che possiede la
copia originale virata su cui si è basato il restauro. La nuova partitura musicale di Rodney Sauer per l’edizione in DVD di True Heart Susie è eseguita dalla Mont Alto Motion Picture Orchestra.
Come ha scritto Tom Gunning in occasione ell a presentazione dell film l’anno scorso, nell’ambto del Griffiht Project 10, questo film occupa un posto speciale nel cuore
di tutti coloro che lo hanno visto: “Alcuni di noi considerano True Heart Susie il capolavoro di Griffith … L’ammirazione per un film come True Heart Susie non ha nulla a che vedere con il pluriennale sostegno istituzionale degli apparati
culturali che rendono sospetti i canoni letterari. Riguarda bensì la struttura narrativa e il punto di vista, ma anche le sottili sfumature dell’interpretazione,il tipo di inquadratura,e perfino il particolare uso delle didascalie,
che grazie al loro potenziale emotivo e confessionale fanno apparire quasi incandescente
un film apparentemente modesto come questo.”
As part of “The Griffith Project”, the 2006 Giornate del Cinema Muto opened with a performance of True Heart Susie, accompanied by a new score by Giovanni Spinelli. At that time the only available
print of the film, held by the Danish Film Institute, was from a dupe negative,
and made almost 40 years ago by the then-National Film Archive in London. The
film made a great impression on the audience, confirming the late Pauline Kael’s opinion that this is “one of the most charming of all D.W. Griffith’s films. Close to perfection on a small scale.”
We are therefore grateful to be able to present a reprise, but this time in the
masterly new digital restoration undertaken by David Shepard and Film Preservation
Associates, in collaboration with the British Film Institute, who hold the original
tinted print on which the restoration is based. Rodney Sauer’s new score for the DVD edition of True Heart Susie is performed by the Mont Alto Motion Picture Orchestra.
We refer viewers to Tom Gunning’s graceful and insightful note for last year’s screening [Griffith Project #583], and offer the following words as an introduction
to a film which holds a special place in the hearts of all who see it:
“There are those of us who consider True Heart Susie to be Griffith’s masterpiece … To be devoted to a film like True Heart Susie has nothing to do with the institutional and long-term support of cultural apparatuses
that render literary canons suspect. But it does involve narrative structure
and point of view, as well as the fine details of performance, framing, and even
the use of intertitles that makes a seemingly modest film such as this appear
nearly incandescent in its confessional and emotional power.”
La musica/The music
Anche se molti piccoli teatri usavano un solo pianista o un organista, all’incirca un quarto delle sale cinematografiche americane disponeva già di ensemble musicali più ampi, senza meno in occasione delle ‘prime’. Disporre di una “orchestra”, anche se formata da tre elementi soltanto, era un modo efficace per attirare
un pubblico sempre più smanioso di spettacoli di “classe”.
E dato che un’orchestra tradizionale non può improvvisare, i musicisti avevano bisogno di uno spartito. Ma il programma della
maggior parte delle sale cambiava ogni settimana, pertanto non c’era il tempo per comporre una musica originale per ogni nuovo film. Molte sale
disponevano però di una raccolta di cuesheets, alcuni scritti appositamente per il cinema, altri presi dal repertorio classico,
dalla musica da ballo, e dalle canzoni popolari. Il direttore musicale compilava
la partitura settimanale attingendo da quella raccolta. E poiché la musica era già composta e orchestrata, ogni nuova partitura poteva essere assemblata con notevole
efficacia e la stessa musica riusata un’infinità di volte.
La Mont Alto Motion Picture Orchestra compone le proprie partiture attingendo
direttamente alle collezioni superstiti di numerosi teatri. Da qui il loro particolare “sound”, sempre così autentico, appropriato e, spesso, di straordinaria suggestione; ma del resto,
noi siamo convinti che il repertorio a lungo disprezzato della “photoplay music” meriti di essere riproposto e riconosciuto – al pari degli stessi film muti – come un importante e influente corpus di opere con una propria dignità artistica.
Per quanto riguarda lo score di True Heart Susie, ho pensato a un idillio campestre fuori dal tempo che viene sconvolto dall’avvento della nuova cultura popolare. Mi ero da poco assicurato i diritti di
alcune suites musicali del compositore americano Henry Hadley, e ne ho fatto
il nucleo centrale della partitura. (Al DVD di True Heart Susie è accluso un elenco di tutte le composizioni usate. La lista completa è disponibile anche sul sito web della Mont Alto Orchestra, www. mont-alto.com)
Buona parte della musica proviene dalle dieci composizioni che formano il “Ballet of the Flowers” di Henry Hadley, tra cui “Red Rose” (il tema che apre il film), “Violets”, “Heather”, “Marguerites”, e per le scene più malinconiche, “Lily of the Valley” e “Gardenia”. Altri brani provengono dalla sua suite “Silhouettes”, che prendeva spunto dalle varie nazioni; di cui abbiamo usato “American”, “French” (rispettivamente nelle scene della scuola e in chiesa), and “Italian” (per la scazzottata studentesca).
Il “piccolo merciaio ambulante di Chicago” porta con sé la musica da ballo di città, che include anche “Teasing the Cat” di Charles Johnson; “Old Man Jazz” di Gene Quaw; e “Ja-Da!” di Bob Carleton.
La compositrice francese Irénée Bergé ha dato il proprio contributo con il lento e incantevole tema d’amore di “Sérénade Lointaine”; il violoncellista inglese Otto Langey ha fornito la “Storm Music”; e J.S. Zamecnik, un allievo americano di Dvorˇák che scrive sotto svariati pseudonimi, ci ha dato “Legend of a Rose” per un secondo tema d’amore, e la deliziosamente ricercata canzone del parlatorio “I Gathered a Rose” per l’assolo d’organo. – Rodney Sauer (direttore musicale della Mont Alto Motion Picture Orchestra)
Although many smaller theaters used a solo pianist or organist, perhaps as many
as a quarter of the movie theaters in America had larger musical ensembles, at
least for prime shows. Having an “orchestra”, even with as few as three players, was one good way to attract audiences who
were looking for a more upscale film-going experience.
Since a traditional orchestra cannot improvise, the musicians needed written
music. And since the film program at most theaters changed weekly, there wasn’t time to compose original music for every film. Movie theaters maintained a
library of musical “cues”, some written specifically for film, and others from the classical repertoire,
dance music, and popular songs. The musical director compiled film scores each
week from this library. Since the music was already composed and orchestrated,
scores could be assembled remarkably efficiently, and the music could be re-used
indefinitely.
The Mont Alto Motion Picture Orchestra uses the surviving collections of several
movie theaters to compile its film scores. Not only is the sound authentic, appropriate,
and often very effective; but we feel that the long-overlooked “photoplay music” repertoire deserves – as much as the silent films themselves – to be revived and recognized as an important and influential body of artistic
work.
For True Heart Susie, I approached the film as a timeless rural romance that is upset by cutting-edge
popular culture. I had recently obtained several suites of music by the American
composer Henry Hadley, and I made these the core of the score. (The DVD release
of True Heart Susie includes a list all of the compositions. This cue sheet is also available on
the Mont Alto Orchestra’s website, www. mont-alto.com).
Much of the music comes from Henry Hadley’s ten-part “Ballet of the Flowers”, including “Red Rose” (which opens the picture), “Violets”, “Heather”, “Marguerites”, and for the sadder scenes, “Lily of the Valley” and “Gardenia”. Several cues come from his “Silhouettes” suite, which are based on nationalities; we used “American”, “French” (for school and church scenes), and “Italian” (for the student fistfight).
The “little milliner from Chicago” brings dance music from the city, including “Teasing the Cat” by Charles Johnson; “Old Man Jazz” by Gene Quaw; and “Ja-Da!” by Bob Carleton.
The French composer Irénée Bergé contributes the beautifully hesitant love theme “Sérénade Lointaine”; English cellist Otto Langey supplied the “Storm Music”; and J.S. Zamecnik, an American student of Dvorˇák who wrote under several pseudonyms, gave us “Legend of a Rose” for another love theme, and the delightfully overwrought parlor song “I Gathered a Rose” for the organ recital. – Rodney Sauer (musical director, Mont Alto Motion Picture Orchestra)
Il restauro/The restoration
L’unica copia sopravvissuta di True Heart Susie fu donata agli inizi degli anni Quaranta da H. A. V. Builled al National Film
Archive di Londra, che ne ricavò un negativo in nitrato; successivamente, prima che l’originale si deteriorasse irreparabilmente, fu ricavato un controtipo negativo
in acetato. Questo secondo negativo non è mai stato predisposto per la stampa di un positivo, ma è ora la fonte del nuovo master digitale la cui realizzazione è stata supervisionata da James White del BFI Films. White ha eliminato ripetizioni,
fuori quadro, segni di sincronizzazione, stabilizzando e pulendo le immagini
con il sofware Archangel e restituendo le tinte presenti nel nitrato originale.
Alla fine di questo lavoro è stato realizzato un master di seconda generazione, con la velocità di proiezione trascritta a 17 fotogrammi al secondo: è questa la versione utilizzata da Rodney Sauer per la registrazione dell’accompagnamento musicale. / The sole surviving original print of True Heart Susie was donated in the early 1940s by H.A.V. Bulleid to the National Film Archive,
London. The NFA first copied it to nitrate film, but in more recent years, and
before the original deteriorated beyond usefulness, re-preserved it to an acetate
duplicate negative. This second negative was never prepared for printing, but
is the source for a new digital transfer master which was supervised by James
White of BFI Films. Mr. White then edited out many pull-backs, misframes, and
sync marks, stabilized and cleaned the image with Archangel software, and re-introduced
tints corresponding to those on the nitrate original. Finally, a submaster was
made which adjusted the running speed to 17 frames per second, and it is this
version which was sent to Rodney Sauer for scoring. – David Shepard
Muti del XXI secolo/21st Century Silents
EL ÚLTIMO DESEO (His Last Request) (Silicon Artists, Madrid, ES 2005)
Regia/dir., scen: Simon Birrell; prod. esec./exec. prod: Milena Ivanova; f./ph: Pablo Baudet; mont./ed: Leixandre Froufe; scg./des: Zaida Jiménez; cost: Rocio Gleizer; aiuto regia/asst. dir: Nadia Navarro; cast: Jack Taylor (il padre/the father), Iris Díaz (l’infermiera/the nurse), Carmen Vadillo (la figlia/the daughter), Ramón Rados (l’avvocato/the lawyer); Digi-Beta, 26’; fonte copia/source: Silicon Artists, Madrid.
Versione con didascalie in inglese / English intertitles
.
Il pubblico delle Giornate è abituato ai “muti del XXI secolo”, di solito di tono gentile e nostalgico. Il film di Simon Birrell è un’eccezione, una breve storia horror assai sensuale ed erotica. Scrive Birrell: “Le persone che ‘muoiono con gli occhi aperti’ sono quelle che spirano rimpiangendo amaramente le esperienze mancate, i desideri
irrealizzati o i sogni che non si sono avverati. In El último deseo un padre malato e sua figlia assumono un’attraente giovane infermiera perché si occupi dell’uomo nei suoi ultimi giorni di vita. Il vecchio si rende conto ben presto che
c’è un’ultima cosa che deve fare.”
Il film è interpretato dall’attore di origine americana Jack Taylor (classe 1936), un mito del cinema horror
spagnolo che ha lavorato con figure carismatiche quali Jess Franco e José Ramón Larraz, oltre che con registi di spicco come Roman Polanski e André Téchiné. (Dalle note di produzione)
Giornate audiences are accustomed to “21st Century Silents” which are usually gentle and nostalgic. Simon Birrell’s film is an exception, a highly sensuous erotic short horror story. He writes, “People who ‘die with their eyes open’ are those who expire bitterly regretting the missed experience, the unfulfilled
wish, or the unconsummated dream. In His Last Request, a sick father and his daughter hire an attractive young nurse to care for him
during his final days. The old man soon realizes that there is one last thing
he needs to do.”
The film stars the American-born legend of Spanish horror films, Jack Taylor
(born 1936), who has worked with many cult figures, including Jess Franco and
José Ramón Larraz, as well as with such mainstream directors as Roman Polanski and André Téchiné. (Adapted from the production notes)
LA VITA DI GIACOMO CASANOVA [mostrata con la Lanterna Magica/shown with the Magic Lantern] (Museo del Precinema: Collezione Minici Zotti, Padova, IT 2007)
Regia/dir: David Da Ros; scen., lanternista/lanternist: Laura Minici Zotti; voce recitante/speaker: Paolo Caporello; DVD, 45’, più 15’ di intervista a/plus 15’ interview with Laura Minici Zotti, colore/colour, sonoro/sound; fonte copia/source: Museo del Precinema, Padova.
Versione originale in italiano, con sottotitoli in inglese / Italian dialogue, English subtitles.
La vita di Giacomo Casanova mostrata per la prima volta al Teatro Goldoni di Venezia il 27 maggio 1998,
ancora oggi è uno dei programmi più richiesti nei teatri. I vetri impiegati sono 150 e scelti fra i molti della
Collezione, per ricostruire la vita del celebre libertino. Sebbene un DVD non
possa riprodurre l’emozione in sala, della rappresentazione originale, Laura Minici Zotti desidera
lasciare un documento della sua attività di lanternista. Un giorno non sarà più possibile apprezzare questa esperienza culturale e storica, il DVD diverrà un utile supporto, per dare almeno un’idea, di quello che era uno spettacolo con la lanterna magica in epoca vittoriana.
Lanterna Magica e vetri da proiezione originali dell’800: Collezione Minici Zotti. Accompanamento musicale: brani di Vivaldi e Albinoni.
Ringraziamenti al Teatro Verdi di Padova per le riprese video.
Laura Minici Zotti
La vita di Giacomo Casanova [The Life of Giacomo Casanova], first performed at the Teatro Goldoni, Venice,
in May 1998, remains one of the most frequently requested programmes of the theatre
of the Padua Museum of Pre-Cinema. 150 lantern slides, chosen from the Museum’s huge collection, reconstruct the life of the celebrated libertine. Even though
a DVD cannot reproduce the atmosphere in the theatre at the original performance,
Laura Minici Zotti wished to leave this record of her work as a lanternist. When
it is no longer possible to appreciate this cultural and historic experience
at first hand, this DVD will become a useful medium to give at least an idea
of what a performance with the magic lantern was like in the Victorian era. The
magic lantern and original 19th-century slides are from the Minici Zotti Collection.
The music used is by Vivaldi and Albinoni. With thanks to the Teatro Verdi, Padua,
for making possible the video recording. – Laura Minici Zotti