INTRODUZIONE
Nel 1929 il cinema muto in America era praticamente finito. In meno di due anni la rivoluzione del sonoro aveva spazzato via l’industria cinematografica con tale incredibile forza che una forma d’arte ancora vitale si era quasi volatilizzata. Molti, dentro e fuori il mondo del cinema, ne piansero la perdita.  È celebre il conciso commento fatto da Lillian Gish decenni dopo: “I film avrebbero dovuto sposare la musica, non le parole.” Ma se la nuova tecnologia aveva sepolto il lungometraggio muto, essa rese anche possibile la realizzazione di cortometraggi conformi all’ideale dell’attrice: una serie di disegni animati basati su fantasiose combinazioni di immagini e musica, serie che per molti critici del tempo rappresentò il massimo livello raggiunto dall’arte cinematografica nei primi anni Trenta.
Le Silly Symphonies di Walt Disney debuttarono nel giugno del 1929, sei mesi dopo che Topolino era diventato una superstar. Originariamente intese come una serie libera dalle limitazioni imposte dalla presenza di una personalità divistica, le Sinfonie diventarono presto una piattaforma per nuovi esperimenti e nuove forme narrative. Disney e collaboratori avevano improvvisato un sistema che permetteva loro di sincronizzare suono e disegni con precisione assoluta. E i risultati furono sbalorditivi. Il tono viene definito fin dal primo cartoon della serie, The Skeleton Dance: non uno statico “film parlato”, ma una macabra fantasia notturna vibrante di energia cinetica. Le Sinfonie successive proseguirono su questa linea, creando un affascinante mondo nuovo che si muoveva a tempo di musica. Uscirono per un decennio a intervalli regolari, sempre sviluppando nuove idee visive, musicali e tematiche e sempre allargando i confini dell’animazione – e del cinema stesso.
La XXV edizione delle Giornate rende omaggio alle Silly Symphonies sia riportandone alcune sullo schermo sia presentando il nostro libro, pubblicato dalla Cineteca del Friuli, Walt Disney’s Silly Symphonies: A Companion to the Classic Cartoon Series. Si tratta della prima storia e guida esaustiva a questi notevoli film.
Per il teatro Zancanaro ne abbiamo selezionati dieci allo scopo di illustrare il legame fra la serie e i classici del muto. È vero che nel corso degli anni Trenta, certe Sinfonie hanno via via incorporato dialoghi, canzoni e anche spettacolari numeri musicali. Ma Disney, come quasi tutti gli altri grandi cineasti di quel decennio, aveva imparato il mestiere ai tempi del muto. E come dimostra chiaramente il nostro omaggio, molti dei film più memorabili della serie – compreso quello uscito per ultimo, il remake del 1939 del Brutto anatroccolo – hanno creato indelebili momenti di cinema senza ricorrere al parlato. Nel mondo animato di Disney, i film hanno davvero sposato la musica, conservando l’estetica del cinema muto anche quando questo ormai non esisteva più. - J.B. KAUFMAN & RUSSELL MERRITT

INTRODUCTION
By 1929, the American silent film was virtually finished. In less than 2 years, the sound revolution had swept the industry with such staggering speed that a still-vital art form had all but evaporated. Many observers, within and without the industry, mourned the loss. Famously, Lillian Gish commented succinctly, decades later: “The movies should have married music, not words.”
But if the new technology buried the silent feature, it also made possible a line of shorts tailored to Gish’s ideal: a cartoon series that showed the imaginative possibilities of combining images with music, and that, for many critics of the time, came to represent the high watermark of film art in the early 1930s.
Walt Disney’s Silly Symphonies debuted in June 1929, half a year after Mickey Mouse had become a superstar. Originally meant as a series freed from the restrictions of a star personality, the Symphonies soon became a platform for experimentation and new forms of storytelling. Disney and his production team had improvised a system that allowed them to synchronize sound with their drawings with pinpoint accuracy, and the results were startling. The very first Silly Symphony, The Skeleton Dance, set the tone: this was no static “talking picture”, but a fright-night fantasy that vibrates with kinetic energy. Succeeding Symphonies continued the trend, creating an engaging new world that moved to a musical beat.
For the next decade the Symphonies continued to appear at regular intervals, continually exploring new visual, musical and thematic ideas, continually expanding the boundaries of animation – and of film itself. This year’s edition of the Giornate celebrates the Silly Symphonies, both on the screen and with the publication of Walt Disney’s Silly Symphonies: A Companion to the Classic Cartoon Series, by Russell Merritt and J.B. Kaufman. Published by the Cineteca del Friuli, the book [due October 2006] marks the first comprehensive history and reference guide to these remarkable films.
Our sample of the Silly Symphonies at the Teatro Zancanaro is meant to illustrate the Symphonies’ link with the classic silents. To be sure, as the 1930s wore on, some of the Symphonies did embrace dialogue, songs, and even musical “production numbers”. But Disney, like almost all the other great filmmakers of the 1930s, had learned his craft during the silent era. As these selections make clear, many of the most memorable films in the series – up to and including the last Symphony release, the 1939 version of The Ugly Duckling – created indelible screen moments without recourse to the spoken word. In Disney’s animated world, the movies did marry music – preserving the aesthetic of silent films, long after the silents themselves had ended. - J.B. KAUFMAN & RUSSELL MERRITT

THE UGLY DUCKLING (L’anitroccolo eroico) (Walt Disney Productions, US 1931)
Prod: Walt Disney; regia/dir: Wilfred Jackson; mus: Frank Churchill? Bert Lewis?; anim: Dick Lundy, Rudy Zamora, Les Clark, et al.; 35mm, 618 ft., 6’52” (24 fps), sonoro/sound, Walt Disney Co.
Edizione inglese/English edition

Nel 1931, dopo due anni di Sinfonie a base di comici inseguimenti e balli in libertà, Disney fece il salto nella narrativa, concludendo quest’anno straordinario con un libero adattamento della fiaba di Hans Christian Andersen “Il brutto anatroccolo”. Il cartoon propone tra l’altro un delizioso omaggio a Way Down East (Agonia sui ghiacci) quando la madre e i fratelli dell’anatroccolo vengono risucchiati da una tromba d’aria e trascinati verso un’enorme cascata. Ma ciò che veramente conta è la sottigliezza psicologica con cui viene tratteggiato l’anatroccolo. Finora Disney aveva puntato sulle paure infantili puramente fisiche: paura di cadere, di essere bruciati, di essere mangiati, di avere freddo, di annegare. Con The Ugly Duckling, egli comincia a scavare più a fondo prendendo in considerazione le paure psicologiche del bambino – il terrore di essere abbandonato, il disprezzo di sé – e gli altri problemi del crescere. – Russell Merritt

In 1931, after 2 years of free-form comic dance and chase Symphonies, Disney took the leap into narrative, ending this extraordinary year with his free adaptation of the Hans Christian Andersen children’s story. The Ugly Duckling contains, among other things, a charming hommage to Way Down East, as the Duckling’s mother and siblings are swept up in a storm and hurled towards a large waterfall. But its real importance is the psychological nuance Disney gives his Duckling. Up to this point, Disney had limited himself to exploiting purely physical fears of childhood: fears of falling, burning, being eaten, freezing, and drowning. With The Ugly Duckling, he starts to dig deeper, looking at the psychological terrors of childhood – abandonment, self-loathing – and the other costs of growing up. – Russell Merritt

BIRDS IN THE SPRING (Walt Disney Productions, US 1933)
Prod: Walt Disney; regia/dir: Dave Hand; mus: Bert Lewis & Frank Churchill; anim: Les Clark, Jack King, Ben Sharpsteen, et al.; 35mm, 653 ft, 7’15” (24 fps), Technicolor, sonoro/sound, Walt Disney Co.
Edizione inglese/English edition

In una famiglia di uccelli, si è schiusa la nidiata e mamma e papà sono al colmo della felicità, ma il piccolo Otto, irrimediabilmente disadattato, non sa tenersi lontano dai guai. Le sue avventure lo portano ad affrontare cavallette, un colibrì e un minaccioso serpente a sonagli. La scena della lezione di canto degli uccellini, durante la quale Otto sconcerta i genitori lanciando un forte strido, verrà poi ripresa in Biancaneve e i sette nani. Questo cortometraggio era particolarmente amato da Mary Pickford (la cui compagnia, la United Artists, era allora la distributrice di Disney) e fu il primo della serie delle Silly Symphonies ad essere proiettato nel nuovo, prestigioso Radio City Music Hall di New York. – J.B. Kaufman

Mama and papa bird are overjoyed at the birth of youngsters, until little Otto, the irrepressible misfit of the family, demonstrates his knack for getting in trouble. His adventures lead him into encounters with grasshoppers, a hummingbird, and a menacing rattlesnake. The scene of the little birds’ singing lesson, in which Otto embarrasses his parents with a loud squawk, would be adapted later in Snow White and the Seven Dwarfs. This short was a particular favorite of Mary Pickford (whose company, United Artists, was then Disney’s distributor), and was the first Silly Symphony shown at the prestigious new Radio City Music Hall in New York. – J.B. Kaufman

WATER BABIES (Il lago incantato) (Walt Disney Productions, US 1935)
Prod: Walt Disney; regia/dir: Wilfred Jackson; mus: Leigh Harline; anim: Art Babbitt, Archie Robin, Cy Young, Woolie Reitherman, et al.; 35mm, 760 ft, 8’27” (24 fps), Technicolor, sonoro/sound, Walt Disney Co.
Edizione inglese/English edition

In questo incantevole cortometraggio liberamente tratto dall’omonimo poema di Charles Kingsley, più che la fonte letteraria contano gli sforzi di Walt Disney per espandere le possibilità artistiche del disegno animato. Svegliatisi all’alba fra le ninfee di una tranquilla laguna, i bambini acquatici raggiungono con un corteo formato da tartarughe e cigni una vicina isola, dove giocano allegramente. Non mancano in questo leggiadro mondo fantastico i divertimenti forti, come quando uno dei pargoli diventa toreador e affronta una rana toro in una gagliarda corrida. Il tema musicale principale composto da Leigh Harline doveva essere in origine una canzone con versi scritti da Larry Morey, ma alla fine il film uscì con la sola versione strumentale. – J.B. Kaufman

Based loosely on Charles Kingsley’s poem of the same title, this lovely short has less to do with its source material than with Walt Disney’s efforts to expand the artistic range of the animated cartoon. The Water Babies, waking at dawn in the water lilies of a quiet lagoon, commandeer turtles and swans for a water parade to a nearby island, where they indulge in high-spirited play. Their enchanting fantasy world doesn’t lack for robust entertainment; watch for the Water Baby who becomes a toreador and stages a vigorous “bullfrog-fight”. Leigh Harline’s main musical theme wasoriginally planned as a song, with lyrics by Larry Morey, but in the finished film it is heard only as an instrumental. – J.B. Kaufman

THE OLD MILL (Il vecchio mulino) (Walt Disney Productions, US 1937)
Prod: Walt Disney; regia/dir: Wilfred Jackson, Graham Heid; mus: Leigh Harline; anim: Stan Quackenbush, John McManus, Bob Stokes, et al.; anim. effetti/effects anim: Cy Young, Ugo D’Orsi, et al.; 35mm, 784 ft., 8’42” (24 fps), Technicolor, sonoro/sound, Walt Disney Co.
Edizione inglese/English edition

The Old Mill ritorna ai principi delle prime Silly Symphonies, trasformando nuovamente un pasticcio musicale  in un sostenuto pezzo d’atmosfera, Ma qui Disney è assolutamente serio e conferisce a paesaggio, animali e habitat connotazioni quasi religiose. Ciò che salva il filmda un mortale kitsch è il mulino stesso che con il Lupo Cattivo, l’uccellina Jenny Wren* e il leprotto Max Hare, va annoverato tra i più grandi  personaggi delle Sinfonie. Se Disney, l’intellettuale rampante, è determinato a sfruttare il prestigio riflesso di Rembrandt e dei maestri olandesi, egli mina la sua stessa pretenziosità cogliendo le potenti contraddizioni di questo strano, contorto congegno. The Old Mill ci riporta all’originario mondo delle Sinfonie, il mondo dell’outsider ignorato, vulnerabile, ma autosufficiente. L’intera terrificante avventura è vista come parte del ciclo naturale della vita – un accadimento di poco conto nella vita di creature insignificanti –, cui però la trasposizione in un melodramma muto dà un che di primordiale. – Russell Merritt
[*Denominazione inglese dello scricciolo femmina.]

The Old Mill returns to the earliest Silly Symphony principles, once again building a musical pastiche into a sustained mood piece, as he had in films like Autumn, Night, and Springtime. But here Disney is dead serious, giving his landscape, animals, and habitat quasi-religious overtones.
What saves the film from terminal kitschiness is the mill itself, which, along with the Big Bad Wolf, Jenny Wren, and Max Hare, ranks among Disney’s greatest Symphony characters. If Disney the emerging culture vulture is determined to exploit the borrowed prestige of Rembrandt and the Dutch masters, he undercuts his own pretentiousness by capturing the powerful contradictions of this strange, tortured contraption. The Old Mill returns us to the primal Symphony world of the ignored, vulnerable, but self-sufficient outsider. The entire terrifying adventure passes as part of life’s natural cycle – an event scarcely worth noticing in the lives of unremarkable creatures – but turned into something elemental when translated into silent melodrama. – Russell Merritt

MERBABIES (Walt Disney Productions, US 1938)
Prod: Walt Disney; regia/dir: Rudolf Ising; mus: Scott Bradley; anim: Lee Blair, Tom McKimson, Carl Urbano, et al.; 35mm, 771 ft, 8’34” (24 fps), Technicolor, sonoro/sound, Walt Disney Co.
Edizione inglese/English edition.

Inizialmente pensata come il seguito di Water Babies, questa Silly Symphony si caratterizza storicamente per essere l’unico cartone animato di Walt Disney fatto fuori dallo studio Disney. La sua realizzazione venne infatti subappaltata da Disney ai suoi ex dipendenti Hugh Harman e Rudy Ising, che intorno alla metà degli anni Trenta erano diventati titolari di un proprio studio di animazione. Come nel cartoon precedente, anche in Merbabies (Sirenette) c’è un corteo, che è però completamente subacqueo e conduce a un circo sottomarino in cui le tigri sono sostituite da pesci tigre e i polpi diventano elefanti. Subito dopo aver terminato questo film, Harman e Ising furono costretti dalle circostanze a chiudere lo studio e alcuni degli artisti che avevano lavorato a Merbabies passarono alle dipendenze di Disney. – J.B. Kaufman

This short, originally conceived as a sequel to Water Babies, holds a unique historical distinction as the one Walt Disney animated cartoon produced outside the Disney studio. Disney subcontracted the production to Hugh Harman and Rudy Ising, former employees who were heading their own cartoon studio by the mid-1930s. Merbabies, like its predecessor, features a parade, but this one takes place entirely underwater – and leads in turn to an underwater circus, where tiger fish take the place of tigers and octopi become elephants. Shortly after completing this film, Harman and Ising were forced by circumstances to disband their studio, and some of the artists who had worked on Merbabies joined the Disney staff. – J.B. Kaufman