LES AMANTS DE L’AVENTURE / THE ADVENTURE LOVERS (La Sept Arte / Nestor Productions, France / US, 2001)
Dir: Michel Viotte; prod: Sébastien Deganne, La Sept Arte/Nestor Productions, con /in assoc. with CNC/PROCIREP; story: Michel le Bris; sc: Paul Grattan; ph: Martin & Osa Johnson; ed: Bénédicte Mallet; voices: Paul Kriwaczek, Matt Jeschenik, Stephanie Holm; mus: K Music, Zomba, Sonimage, Koka Media; ph. archives: Martin and Osa Johnson Safari Museum, Chanute, Kansas, California State Parks, Jack London Collection, San Francisco Maritime Museum, American Museum of Natural History, Special Collections, Nestor Productions; film archives: Martin and Osa Johnson Safari Museum, Chanute, Kansas, Nestor Productions, American Heritage Collection, Clark Getts Collection; Video, Beta SP, 57’, bn / b/w, La Compagnie des Indes.
Versione inglese / English narration.

Questo documentario di Michel Viotte, presentato in appendice alla rassegna sul cinema d’espolorazione delle Giornate 2003, è composto quasi interamente di materiale girato tra il 1912 ed il 1937 da Martin ed Osa Johnson – materiale che regge il confronto con qualsiasi altra pellicola di soggetto etnografico o naturalistico finora realizzato. Johnson (1884-1937), originario dell’Illinois, aveva iniziato la sua carriera accompagnando Jack London nelle sue spedizioni per poi allestire uno spettacolo itinerante, The Snark, che ne narrava le avventure. Attratto dal cinema, nel 1917 partì per la sua prima spedizione nei Mari del Sud insieme alla giovane moglie Osa (1894-1953) che ebbe al fianco in ogni sua impresa finché non morì, nel 1937, in un incidente aereo. Insieme i due coniugi realizzarono più di una dozzina di film d’esplorazione, compreso il memorabile Simba, e lui scrisse anche molti libri sull’argomento. In seguito all’avvento del suono e, in particolare, alle critiche sfavorevoli che accolsero il film Congorilla, il pubblico cominciò a raffreddarsi nei confronti dell’approccio smaccatamente spettacolare del loro cinema. Essi rimangono, peraltro, dei pionieri nel settore delle riprese speciali, nel campo della sponsorizzazione (George Eastman fu tra i loro più entusiasti finaniziatori), nell’uso dell’aereo come strumento d’esplorazione e nella commercializzazione del documentario. Inoltre quanto ci hanno lasciato su pellicola è un grande tesoro che ci permette di conoscere società e tradizioni da tempo scomparse.
Il documentario è stato presentato in Inghilterra da Sky TV in una forma un po' ridotta e con il titolo di Search for the Cannibal Tribe – David Robinson

An important footnote to last year’s presentation of “Cooper, Schoedsack and Friends”, Michel Viotte’s documentary is almost wholly composed of footage shot by Martin and Osa Johnson between 1912 and 1937 – footage which stands comparison with any wildlife and ethnographical film ever recorded. Illinois-born Johnson (1884-1937) began his career accompanying Jack London on his expeditions, and subsequently touring a show, The Snark, publicising London’s adventures. He was soon drawn to moving pictures, and in 1917 made his first expedition to the South Seas in company with his young wife Osa (1894-1953), who was to remain an equal partner in all his enterprises until Johnson’s death in a civil airliner crash in 1937. Together they made more than a dozen films of their explorations, including most memorably Simba; Johnson also published many associated books. With the coming of sound and particularly the critical reception of their film Congorilla, the tide of opinion turned somewhat against their style of brash showmanship. They were, however, remarkable pioneers in specialist filming techniques, in financing their films by sponsorship (George Eastman was among their enthusiastic backers), in the use of aircraft as tools of exploration, and in commercial marketing of documentary films. In addition, they left behind a rich treasure of documentary records of societies and customs that have long since disappeared.
This French documentary has been broadcast on Britain’s Sky television’s travel channel, somewhat shortened, under the title Search for the Cannibal Tribe. – David Robinson

LE FANTÔME D’HENRI LANGLOIS. “Gloire à celui par qui le scandale existe.” / HENRI LANGLOIS. THE PHANTOM OF THE CINEMATHEQUE (Les Films Elémentaires / Cinemathèque Française, F 2004)
Dir/sc: Jacques Richard; ph: Jerôme Blumberg, Jacques Richard; ed: Fabrice Radenac; sd: François Didiot; mus: Nicolas Baby, Liam Farrell; interviewees: Henri Alekan, Jean Michel Arnold, Christian Auboire, Claude Berri, Freddy Buache, Pierre Cardin, Claude Chabrol, Jacques Champreux, Odile Chapel, Henri Chapier, Michel Ciment, Daniel Cohn Bendit, Cyril Collard, Hervé de Luze, Sybille de Luze, Jean Diard, Jean Douchet, Max Douy, Zahra Farzaneh, Marie France, Georges Franju, Alain Gabet, Farohk Gaffary, Philippe Garrel, Noëlle Giret, Jean Luc Godard, Georges Goldfayn, Jean Gonnet, Romain Goupil, Alfred Hitchcock, Robert Hossein, Henri Hudrisier, Léone Jaffin, Marie Josée Jeannet, André S. Labarthe, Jean Louis Langlois, Maurice Lemaître, Jean Pierre Léaud, Renée & Lucie Lichtig, Serge Losique, Madeleine Malthête Méliès, Bernard Martinand, Frédéric Mitterrand, Pierre Moinot, Maud Molyneux, Glenn Myrent, Jean Narboni, Luc Passerau Supervielle, Olivier Petitjean, Pierre Philippe, Maurice Pialat, Francine Pilot, Jacques Robiolles, Eric Rohmer, Jean Rouch, Ambroise Roux, Ewa Rudling, Jacques Salom, Daniel Schmidt, Werner Schroeter, Nicolas Seydoux, Simone Signoret, Jean Charles Tacchella, Max Tessier, Serge Toubiana, François Truffaut, Jean Tulard, Jack Valenti, Luce Vigo, Michel Warren; Digital video, 210’, bn e colore / b/w & color, sonoro / sound, Les Films Elémentaires.
Versione francese, con sottotitoli in inglese. / French dialogue & narration, English subtitles.

Henri Langlois è una figura leggendaria, uno dei padri fondatori dell’archivio cinematografico ideale ed un grande collezionista di film, anche se i suoi metodi poco ortodossi scandalizzarono spesso gli archivisti più conservatori. Oggi gran parte della grande eredità da lui trasmessa alla cultura francese è andata perduta. Le sue collezioni di documenti cartacei sono andate in buona parte distrutte nel grande incendio della BiFi del 2002; la CNC e la Cinémathèque Française – la creatura di Langlois – hanno abbandonato in modo palese l’idea di una riapertura del Musée Henri Langlois, un tempo il maggior museo cinematografico del mondo. Jacques Richard, un cineasta che iniziò la sua carriera a 20 anni grazie all’incoraggiamento dello stesso Langlois, ha realizzato quest’epico documentario sull’uomo, i suoi successi ed il suo tradimento.
“ Non è stato facile evocare il fantasma del fondatore della Cinémathèque Française e del Musée du Cinéma. Sono stati sette anni di duro lavoro. Il mio film è il ritratto della vita di un uomo che coincide con i primi 40 anni, dal 1936 al 1976, della vita della Cinémathèque. Ho evitato di proposito di trattare il periodo ‘post-Langlois,’ perché l’argomento del film non era un’agiografia, bensì un tributo.
“ Qui ci sono le verruche di Langlois e tutto il resto, perché dopo tutto sono parte di lui. I suoi fallimenti sono intrecciati ai suoi successi. Si hanno i fallimenti che si meritano.
“ L’attività di cineasta di Langlois consisteva dei film degli altri. Ebbe infatti il merito di preservare tutti i film su cui poté mettere le mani. Tutti i film erano per lui di uguale importanza, al di là di ogni giudizio dei contemporanei.
“ Dalla sua morte in poi sono spuntate molte ‘false leggende,’ e molte enciclopedie lo ricordano come un ‘genio disorganizzato e disordinato.’ Grazie a testimonianze oculari irrefutabili, questo film dimostra il contrario: Langlois era un visionario, un cineasta dal talento di architetto, a cui lo stato non ha mai concesso mezzi finanziari adeguati a preservare quello che è oggi uno dei maggiori archivi cinematografici del mondo. Ci ha anche lasciato un museo di cinema unico nel suo genere.
“ Oltre il ritratto ‘iper-realista’ di un uomo, The Phantom of the Cinémathèque è anche una storia del cinema ed un’introduzione alla settima arte a beneficio delle generazioni più giovani. Langlois amava definire il cinema come la grande forma d’arte popolare.
“ Ho dato alla luce questo film come un pittore farebbe con la tela, usando piccole pennellate successive, frugando in tutti gli archivi disponibili, spesso dimenticati o nascosti, per portare in vita, un po’ alla volta, i tratti originali del modello. Ringrazio a questo proposito l’INA [Institut National de l’Audiovisuel], senza il cui supporto ed entusiasmo questo film non sarebbe mai esistito.
“ Ho scelto uno stile musicale più contemporaneo, per non imprigionare Langlois nell’immagine vecchio stile di un pianista e relativo piano, ma per evocare, al contrario, la giovinezza, la sua prima priorità. Questo documentario è stato concepito come un film di fiction, perché funziona proprio come la fiction, con le scene che scorrono dall’una all’altra, nuovi sviluppi, momenti umoristici, un certo senso d’ingiustizia, soprattutto perché Langlois vi recita come un eroe avventuroso.
“ Ecco perché Phantom dovrebbe dare l’idea di stare trascorrendo tre ore e mezza con Henri Langlois, condividendo la sua felicità e la sua sofferenza. La gente dovrebbe tornare a casa con una duratura memoria emotiva che non dimenticherà facilmente.
“ La saga di Henri Langlois è la storia di un destino unico.” – Jacques Richard

Henri Langlois is a legend, as one of the founding fathers of the film archive ideal and the greatest of all film collectors, even though his unorthodox methods often scandalised more conservative archivists. Today much of his great legacy to French culture has been dissipated. His collections of paper documents were largely destroyed in the great BiFi conflagration of 2002; and the CNC and the Cinémathèque Française – Langlois’ own creation – have explicitly abandoned the idea of reopening the Musée Henri Langlois, once the greatest film museum in the world. Jacques Richard, a filmmaker who began his career at 20 with the personal encouragement of Langlois himself, has made this epic documentary record of the man, his achievement, and his betrayal.
“ It wasn’t easy conjuring up the ghost of the founder of the Cinémathèque Française and the Musée du Cinéma. Seven years of hard work. My film is a portrait of a man’s life that coincides with the first 40 years, from 1936 to 1976, of the Cinémathèque’s existence. I voluntarily avoided discussing the ‘After Langlois’ period since it wasn’t the subject of the film, which is not a hagiography, but rather a richly rewarding tribute.
“ This is Langlois warts and all, since they are, after all, part of the man. His faults are intertwined with his successes. One has the faults that one deserves.
“ Langlois was a filmmaker whose work consisted of other people’s films. He had the merit to conserve all the films he could lay his hands on. All films were of equal importance to him, way beyond any contemporary evaluation.
“ Lots of ‘false legends’ have sprouted up since his death, and many dictionaries evoke him as a ‘disorganized and disorderly genius’. Thanks to irrefutable eyewitness accounts, the film proves the contrary: Langlois was a visionary, a filmmaker with the talent of an architect, to whom the state never gave enough financial means to preserve what is today one of the most important film archives in the world. He also left us a unique cinema museum.
“ Beyond the ‘hyper-realist’ portrait of a man, The Phantom of the Cinémathèque is as well a history of film and an initiation into the Seventh Art for younger generations. Langlois loved to define the Cinema as the Great Popular Art form.
“ I gave birth to this film like a painter does with a canvas, using successive small brush strokes, sifting through all the filmed archives available, often long forgotten or unseen, to bring alive little by little the model’s original traits. I thank the INA [Institut National de l’Audiovisuel], without whose support and enthusiasm this film would never exist.
“ I chose a more contemporary style of music, so as not to imprison Langlois in the old fashioned image of a player-piano, but on the contrary to evoke youth, since that was his first priority. This documentary was conceived as a fictional film, because it works like fiction, with scenes evolving from one another, new developments, humorous moments, a sense of injustice, but especially due to Langlois acting in it as an adventure hero.
“ For this Phantom should give the feeling of spending three-and-a-half hours with Henri Langlois, sharing in his happiness and anguish. People should return home with a tenacious emotional memory they will not easily forget.
“ Henri Langlois’ saga is the story of a unique destiny.” – Jacques Richard

FRIENDSHIP IS THE HARBOUR OF JOY (Peter Wells, NZ 2004)
Dir/ph: Peter Wells; ed: Malcolm Clarke; cast: Jonathan Dennis, Witarina Harris; Video (Digibeta), 40’, Peter Wells (northe@xtra.co.nz). Funded by Creative New Zealand & The New Zealand Film Commission.
Versione inglese / English dialogue and subtitles.

Ad un primo livello, Friendship Is the Harbour of Joy è una videocassetta, che però si muove rapidamente oltre il linguaggio proprio dei video per gettare uno sguardo su una situazione straordinaria.
Un uomo men che cinquantenne sta morendo, circondato dagli amici, un’amica in particolare: un’anziana signora Maori che aveva incantato le macchine da presa 70 anni prima, in un film muto girato dalla Universal Studios a Rotorua, sotto diversi titoli quali Under the Southern Cross e, man mano che il bisogno disperato di pubblico cresceva, The Devil’s Pit.
A più di 90 anni di età, Witarina Harris non ha affatto perduto la sua capacità d’incantare. Che sieda semplicemente a leggere una copia del Reader’s Digest, o che canti seguendo una registrazione del Ngati Poneke Young Maori Club fatta negli anni Quaranta, evoca ancora l’immagine imponente e priva d’imbarazzi di una kuia– un’anziana, rispettata, signora – al capezzale di un “figlio” amato. Il “figlio,” peraltro, non è imparentato con lei; è un Pakeha (un europeo, un bianco). Si tratta di Jonathan Dennis, una personalità notevolmente creativa nell’ambito della preservazione dei film. In Friendship Jonathan continua la sua esistenza di giornalista radiofonico (del controverso, arguto Film Show), che cammina pesantemente per la sua casa di legno aiutandosi con il bastone. (I bastoni sono qualcosa che ora Witarina e Jonathan hanno in comune.)
In un’intervista radiofonica registrata con Elizabeth Alley alcuni mesi prima della scomparsa, Jonathan parla del suo lavoro pionieristico di organizzazione di un archivio cinematografico in Nuova Zelanda.
Forse la parte più provocatoria del documentario si ha quando parla in modo sobrio, eppure onesto, in modo quasi disarmante, del cancro che lo ucciderà, meditando sulla sua crescita di essere umano in questo momento così difficile e sul sostegno degli amici, la forza motrice della wairua, o ricchezza spirituale.
Mentre la macchina fruga nella sua camera, spostandosi tra oggetti che al tempo stesso esprimono la vivace personalità di Jonathan ed anticipano inconsapevolmente la sua dipartita imminente, anche noi sembriamo spostarci nello spirito di una persona che ha immaginato la propria morte per poi passare oltre. Il film mostra Jonathan attorniato dagli amici, compresa la sua amata kuia, che rimarrà con lui fino alla fine.
Friendship è anche un omaggio al cinema muto, non solo perché include raro materiale dal film muto del 1929 Under the Southern Cross, di Witarina (comprese alcune affascinanti immagini del ciak), ma anche per il modo in cui il documentario è concepito e girato, come un semplice montaggio di suoni e immagini, quasi alla Bresson. In un’inquadratura indimenticabile, Jonathan guarda direttamente in macchina: un’immagine intensa anche se provocatoria, un uomo in procinto di andarsene. – Peter Wells

On one level, Friendship Is the Harbour of Joy is a home video. But while Friendship utilises the language of the home video, it swiftly moves beyond it, to provide an eye on an extraordinary situation.
A man in his late 40s is dying. He is surrounded by friends, but one friend in particular. She is an old Maori lady, who charmed cinema cameras 70 years earlier. This was in a silent film, shot by Universal Studios in Rotorua, called variously Under the Southern Cross and, as they grew more desperate to find an audience, The Devil’s Pit.
Now in her 90s, Witarina Harris has lost none of her ability to charm. Whether simply sitting in a room reading a copy of Reader’s Digest, or singing along to a CD recording of the Ngati Poneke Young Maori Club in the 1940s, she provides compelling and unself-conscious imagery of a
kuia – honoured old lady – at the bedside of a “son” whom she loves.
The “son”, however, is not related to her – he is Pakeha (a European, or white person). He is Jonathan Dennis, a remarkably creative individual in the area of film conservation. In Friendship, Jonathan continues his life as a broadcaster (of the controversial and witty Film Show on National Radio), clumping about the wooden house on his walking stick. (Walking sticks are now something Witarina and Jonathan share in common.)
In a questing radio interview recorded with Elizabeth Alley a few months before his death, Jonathan talks about his pioneering work setting up a film archive for New Zealand.
Perhaps the most challenging part of this documentary is when he talks
austerely, yet with an almost devastating honesty, about the cancer which will kill him. He meditates on his growth as a human being during this difficult time, and the support he gets from his friends – the guiding force of wairua, spiritual richness.
As the camera roves around his bedroom, finding and then moving on from objects which both express Jonathan’s flamboyant personality and
unconsciously intimate his coming departure from this world, we seem to move into the spirit of someone who has contemplated and even moved beyond his own death. The film shows Jonathan surrounded by friends – including his beloved kuia, who stays with him to the last.
Friendship pays homage to silent film. It does this not only by including rarely-seen footage from Witarina’s 1929 silent film Under the Southern Cross (complete with fascinating clapperboard shots), but also by the way the documentary is conceived and shot, as a simple, almost Bressonian montage of sound and image. In one haunting shot, Jonathan looks directly into the camera: it is a poignant if challenging image, of a man about to disappear. – Peter Wells

GIANNI COMENCINI – LUNGA VITA AL CINEMA (Provincia di Milano / Anni Luce, I 2004)
Dir/sc: Paolo Lipari; interviewees: Luigi Boledi (responsabile archivio film / senior archivisti), Matteo Pavesi (conservatore / curator), Roberto Della Torre (archivista / archivist, webmaster), Antonio Pellicani (accoglienza), Enrico Nosei (direttore della programmazione / director of programming), Marco Bruschi (proiezionista / projectionist), Dritan Doci (proiezionista / projectionist), Daniela Currò (stagista / intern), Fulvio Lombardi (aiuto archivista / assistant archivist), Luisa Comencini (segretario generale relazioni esterne / Secretary General for external relations), Lorena Iori (ufficio stampa / press officer), Gianni Comencini (Presidente Fondazione Cineteca Italiana di Milano); mus: Francesca Badalini, piano (brani da / extracts from: Philip Glass, String Quartet no.5, String Quartet no.4, The Light; Jimi Hendrix, “Third Stone from the Sun”; Jean Constantin, film score, Les 400 Coups (1959); Alessandro Cicognini, film score, Due soldi di speranza (1952); M. Ranauro, Tema no.1); Video, Beta SP, 25’, sonoro / sound, Fondazione Cineteca Italiana.
Versione italiana / Italian dialogue and narration, no subtitles.

La passione per il cinema trova in Gianni Comencini un’espressione così piena e vitale da farne un sicuro protagonista della storia milanese del ‘900 nonché un punto di riferimento culturale anche e soprattutto per le generazioni di domani.
Presidente della Fondazione Cineteca Italiana di Milano, Gianni Comencini continua a dedicare la sua straordinaria energia alla salvaguardia e alla valorizzazione del patrimonio filmico del passato in una prospettiva dinamica e sempre creativa.
Il documentario che la Provincia di Milano ha voluto dedicargli per la serie Gente di Milano è diretta testimonianza di questo suo inarrestabile impegno. In Gianni Comencini – Lunga vita al cinema, scritto e diretto da Paolo Lipari, emerge la figura di uno studioso di grande spessore intellettuale ma anche quella di un curioso, giovanilissimo spettatore, ancora pronto a lasciarsi conquistare dal fascino della stessa cabina di proiezione.
Il video ci propone un ritratto di Gianni Comencini particolarmente mobile e vario in sintonia con lo stesso stile di vita del soggetto protagonista. Dall’archivio con i vecchi film alla modernissima sala Oberdan, dalla nuova sede della Cineteca al “rifugio” valtellinese, l’obiettivo ne segue gli spostamenti con incuriosita partecipazione. La testimonianza dello stesso Gianni Comencini, raccolta in modo informale nel corso di una amichevole chiacchierata, rappresenta un preziosissimo contributo nella definizione di un ritratto non solo personale: lo scenario si allarga a spunti più ampi quali il ruolo avventuroso e un po’ ingrato di ogni cinetecario, il problematico destino della pellicola nell’era dell’usa e getta, il peso internazionale della cineteca milanese e il suo legame storico con figure quali Langlois, Hitchcock, Frank Capra.
Ad arricchire il documentario intervengono veloci omaggi ad alcuni dei tanti film salvati dalla Cineteca di Milano e le affettuose testimonianze di chi condivide oggi la fatica di Gianni Comencini: la giovanissima squadra della Fondazione Cineteca Italiana di Milano, garanzia di continuità di un lavoro indispensabile per la sopravvivenza della settima arte.
Paolo Lipari è autore di numerosi documentari e cortometraggi premiati in vari festival. Per la Provincia di Milano ha già realizzato Set – i luoghi di Milano nel cinema e, in collaborazione con la Fondazione Cineteca Italiana, Due dollari al chilo, documentario sui maceri delle pellicole cinematografiche presentato al Festival di Venezia e alle Giornate del 2000 e in altre importanti manifestazioni internazionali. (Comunicato stampa)

Gianni Comencini’s passion for cinema is so complete and vital as to give him a distinctive place in the 20th-century history of Milan, even though its point of cultural reference is also and particularly for tomorrow’s generation.
President of the Fondazione Cineteca Italiana di Milano, Gianni Comencini continues to devote his remarkable energy to the safeguarding and appreciation of the cinema patrimony of the past, in a dynamic and always creative perspective.
The documentary which the Provincia di Milano has chosen to dedicate to him in the series Gente di Milano (People of Milan) is testimony to this unstoppable commitment. Gianni Comencini – Lunga vita al cinema (Gianni Comencini – Long Live Cinema), written and directed by Paolo Lipari, reveals a scholar of great intellectual stature, but also a curious, very youthful spectator, still ready to allow himself to be conquered by the fascination of the projection booth itself.
The film offers a portrait of Gianni Comencini particularly mobile and varied, in tune with the character of its subject. From the archive with its ancient films to the super-modern Oberdan screening room, from the new premises of the Cineteca to his mountain hideaway in the Valtellina, the camera follows his movements with inquisitive participation. The testimony of Gianni Comencini himself, gathered informally in the course of a friendly chat, contributes to the definition of a portrait that is not only personal: the scenario extends to wider themes, like the adventurous and often thankless role of every archivist, the problematic destiny of film in the period of its use and obsolescence, the international status of the Milan Cineteca and its historical links with such figures as Langlois, Hitchcock, and Frank Capra.
The documentary is enriched by a rapid homage to some of the numerous films saved by the Cineteca of Milan, and the affectionate testimony of those who today share the labour of Gianni Comencini, the very young team of the Fondazione Cineteca Italiana di Milano, assuring the continuity of an effort that is indispensable to the survival of the Seventh Art.
Director Paolo Lipari has won many prizes at international festivals with his documentaries and short films. For the Provincia di Milano he has previously made Set – i luoghi di Milano nel cinema (Set – Milan’s Cinema Locations), and, in collaboration with the Fondazione Cineteca Italiana, Due dollari al chilo (Two Dollars a Kilo), a documentary about the recycling of old films, presented at the Venice Film Festival and the Giornate del Cinema Muto in 2000. – (Press release)

L’HOMME AU CIGARE / THE MAN WITH A CIGAR (Rattlesnake Pictures, LU 2003)
Dir/prod/sc: Andy Bausch; exec. prod: Brigitte Kerger; ph: Klaus Peter Weber; ed: Misch Bervard; mus: Serge Tonnar; cast: Bertrand Tavernier, Carl Davis, Anise Junck, Claude Frisoni, Jean Defrang, Joy Hoffmann, Nico Simon, Marc Scheffen, Colette Flesch, Jean-Pierre Thilges, Ody Roos, Uli Jung, Charles Flammang, Jempi Sontag, Robinson Savary; DVD, 73’, bn & colore / b/w & color, sonoro / sound, Édition Cinémathèque Ville de Luxembourg. Produced with the support of Le Fonds National de Soutien à la Production Audiovisuelle e / and La Cinémathèque Municipale de Luxembourg.
Dialoghi in inglese e lussemburghese, con sottotitoli inglese e francese / English & Luxembourgish dialogue, English & French subtitles.

Followed by two films by Fred Junck:
TOPLESS DANCER (1970)
Dir: Fred Junck; prod: Charles Flammang; mus: Guy Theisen; unreleased work print, DVD, 9’, colore / color.
Versione inglese / English dialogue, no subtitles.

L’EUROPE EN MARCHE. HOMMAGE À ROBERT SCHUMAN (1972)
Dir: Fred Junck; prod: Charles Flammang, Video Luxembourg; DVD, 15’, bn e colore / b/w & color.
Versione francese / French dialogue, no subtitles.

Fred Junck (1942-1996) non era certo il tipo d’uomo che passava inosservato. Preceduto dal cappello di feltro, dal sigaro e da una reputazione da cattivo, era una personalità. Così, è normale che ad un cineasta sia venuta l’idea di fare un film sul fondatore e direttore della Cinémathèque Municipale de Luxembourg.
Uscito in DVD nel 2003, il documentario di Andy Bausch, come ogni DVD che si rispetti, è ricco di extra: due interviste (a Bertrand Tavernier ed a Carl Davis) e due film girati dallo stesso Fred Junck (Topless Dancer, del 1970, incompleto ed inedito, ed il famoso documentario del 1972 Europe en marche).
Ritratto dell’“ultimo uomo-cineteca” (come lo ha definito João Bénard Da Costa), il documentario di Bausch si basa soprattutto sulle testimonianze di collaboratori, amici, conoscenti e perfino nemici dell’uomo dal sigaro. Come nota il critico Jean-Pierre Thilges, Fred aveva “creato da sé il suo personaggio,” un misto di Orson Welles, Sam Fuller, Harry Cohn e Sam Spiegel, “un po’ di bulldog,” “un che di tizzone ardente,” come lo descrivono altri testimoni. Senza dubbio è proprio la determinazione, da parte di Junck, di costruirsi un personaggio che giustifica il periodico ricorso del documentarista alla fiction, tramite una controfigura silenziosa.
Collezionista più che conservatore di cineteca, cinefilo bulimico, autentico prodotto della cinefilia anni Sessanta oltre che ammiratore senza riserve di Fritz Lang, Raoul Walsh, Joseph Mankiewicz ed Alfred Hitchcock, Fred Junck si costruì una vita interamente delimitata dal cinema: recitava e dirigeva se stesso, fino al momento stesso del confronto con la morte, come sembra volerci dire la testimonianza della moglie e degli amici. Ne emerge un personaggio mitologico, scaturito da un’intensa frequentazione del cinema. In un certo senso, il film di Andy Bausch alimenta questa mitologia, graffiandone appena la superficie en passant. Allora, chi era Fred Junck? Ci vorrebbe qualcuno di molto intelligente per rispondere sulla base di questo film.
P.S. : L’Homme au cigare non è in alcun modo un film sulla Cinémathèque Municipale de Luxembourg. Se alcuni elementi della storia di quest’istituzione sono evocati di sfuggita, è sempre all’ombra del suo formidabile fondatore. – Robert Daudelin, Journal of Film Preservation (FIAF, Bruxelles), N. 67, giugno 2004

Fred Junck (1942-1996) was not the kind of man to pass unnoticed. Heralded by his felt hat, his cigar, and his reputation as a bad character, he was a personality. So it is quite normal that a cinéaste should have the idea of making a film about the founder-director of the Cinémathèque Municipale de Luxembourg.
Issued on DVD in 2003, Andy Bausch’s documentary, like every respectable DVD, is complemented by extras: two interviews (Bertrand Tavernier and Carl Davis) and two films made by Fred Junck himself (Topless Dancer, from 1970, never finished or released; and his well-known 1972 documentary L’Europe en marche).
A portrait of “the last one-man cinematheque” (as João Bénard Da Costa called him), Bausch’s documentary is principally based on interviews with collaborators, friends, acquaintances, and even enemies of the man with the cigar. As the critic Jean-Pierre Thilges remarks, Fred had “created his personality”, a mixture of Orson Welles, Sam Fuller, Harry Cohn, and Sam Spiegel, “a bit of a bulldog”, “something of a firebrand”, as other witnesses describe him. No doubt it is this determination of Junck’s to construct a character for himself which justifies the author of the documentary periodically to have recourse to fiction, making use of a silent double.
A collector more than a cinematheque conservator, a bulemic cinephile, a pure product of 1960s cinephilia, an unconditional admirer of Fritz Lang, Raoul Walsh, Joseph Mankiewicz, and Alfred Hitchcock, Fred Junck constructed for himself a life entirely within the cinema: he acted, directed himself, right up to the moment of confronting death, appearing from the testimony of his wife and friends as a personage from mythology, created out of intense absorption in the cinema. Andy Bausch’s film to an extent feeds this mythology, scarcely scratching its surface in passing. But who then was Fred Junck? It would take someone very clever to answer this question, by the evidence of this film.
P.S.: In no way is L’Homme au cigare a film about the Cinémathèque Municipale de Luxembourg. If some elements of the history of the institution are evoked in passing, it is always in the shadow of its redoubtable founder. – Robert Daudelin, Journal of Film Preservation (FIAF, Brussels), No. 67, June 2004

OLIVE THOMAS, EVERYBODY’S SWEETHEART (Timeline Films, US 2004)
Dir: Andi Hicks; prod/sc: Sarah Baker, Andi Hicks; exec. prod: Hugh M. Hefner; narr: Rosanna Arquette; Digital video, 54’, sonoro / sound, Timeline Films / Milestone Film & Video. Anteprima mondiale / World premiere.
Versione inglese / English narration.

All’apice del cinema muto, un’abile ed accattivante ingenua, di nome Olive Thomas – affettuosamente ribattezzata “Ollie” – sembrava avere una fortuna inesauribile. Nata nella città mineraria di Charleroi, in Pennsylvania, nel 1886, era dotata di una bellezza e di uno spirito che la portarono fino a New York, dove trovò fama e fortuna da un giorno all’altro. Diventò la preferita degli illustratori, la “Cocca del gruppo Condé Nast,” la mascotte dei New York Yankees ed una delle belle delle Ziegfeld Follies. Non passò molto tempo prima del suo passaggio al cinema, e nel giro di quattro anni si trovò a fare circa 20 film. Jack Pickford, l’affascinante ed instabile fratello di Mary Pickford, la conquistò e nel 1917 se la sposò. Man mano che la sua carriera decollava, però, il suo matrimonio cadeva a pezzi. Benché fosse presto diventata una pericolosa rivale al botteghino per la famosa cognata, Mary, gli obblighi imposti dalla fama della giovane coppia li tennero separati per gran parte della loro vita coniugale. Entro l’estate del 1920 Olive aveva completato, come stella della Selznick Pictures, le riprese di due dei suoi successi, The Flapper e Everybody’s Sweetheart, così lei e Jack decisero di passare una “seconda luna di miele” a Parigi, ma la riconciliazione si volse in tragedia dopo una notte di baldoria nei nightclub di Montmartre. I pettegolezzi e le congetture si sprecarono, chiedendosi come avesse potuto ingerire una soluzione contenente bicloruro di mercurio, un veleno mortale. Morì, dopo 4 giorni di agonia, il 10 settembre, solo 5 giorni prima del suo venticinquesimo compleanno. Il ricordo di lei sopravvisse nel cuore del suo pubblico. Olive era una splendida star, una deliziosa ed affascinante donna/bambina nota come la prima maschietta, la prima a fare scandalo a Hollywood.
Questo nuovo documentario video della Timeline Films esce su DVD a cura della Milestone Film & Video, abbinato al lungometraggio The Flapper (1920), interamente restaurato, accompagnato dalla musica composta da Robert Israel. – Timeline Films
In the heyday of silent films, a winsome, canny ingénue named Olive Thomas – affectionately dubbed “Ollie” – possessed a seemingly charmed life. Born in the coal-mining town of Charleroi, Pennsylvania, in 1886, her beauty and spirit carried her to New York City, where she found overnight fame and fortune. She became a favorite of illustrators, the “Darling of the Condé Nast crowd”, the mascot of the New York Yankees, and a Ziegfeld Follies lovely. It wasn’t long before she made
the transition into film, and within 4 years she had made some 20 films.
Jack Pickford, the charming and wayward brother of Mary Pickford, won her heart, and in 1917 made her his bride. As her career soared, her marriage crumbled. Although she was soon a box-office rival to his famous sister, Mary, the demands of the young couple’s mutual stardom kept them apart for much of their married life. By the summer of 1920 she had completed the filming of two of her signature films, The Flapper and Everybody’s Sweetheart, as a major star for Selznick Pictures. She and Jack decided on a “second honeymoon” in Paris. Reconciliation turned to tragedy after a night of revelling in Montmartre nightclubs. Sensational rumors and speculation pondered how she could have ingested a solution containing bi-chloride of mercury, a deadly poison. She died 4 agonizing days later, on 10 September, just 5 days short of her 25th birthday. But her memory lingered on in the hearts of her public. Olive was a beautiful star, a delightful and alluring woman/child who became known as the first flapper, and the first Hollywood scandal.
This new video documentary by Timeline Films is being released on DVD by Milestone Film & Video with the completely restored feature The Flapper (1920), starring Olive Thomas, accompanied by a Robert Israel score. – Timeline Films press release