Introduzione / Introduction

Muti del XXI secolo / 21st Century Silents


Sin dagli inizi del festival i nostri ospiti ci hanno sempre spronati a mostrare nuovi film muti, affiancandoli così ai programmi storici. Quest’anno, per la prima volta, siamo riusciti a trovare un numero sufficiente di opere di varia origine – in genere produzioni indipendenti e a basso costo – per giustificare l’esistenza di questa speciale sezione, che va da The Heart of the World, capolavoro riconosciuto in 6 minuti dello sperimentatore canadese Guy Maddin (nato nel 1956), a Eine Hommage an Charlie Chaplin, incredibile scoperta dell’importanza del cinema muto come attività artistica per i bambini sordi.
Almost since the Festival began, guests have urged us to show new silent motion pictures alongside the historical programmes. This year for the first time we have managed to find enough films from various sources – but generally independent and mini-budget – to justify this special section, which ranges from The Heart of the World, the acknowledged, 6-minute chef d’oeuvre of the Canadian experimentalist Guy Maddin (born 1956), to Eine Hommage an Charlie Chaplin, an exhilarating discovery of the silent movie as a fulfilling art enterprise for deaf children.

David Robinson

CADTASTROPHE (Wisconsin Bioscope, US 2003)
Dir: Lynne Wisnefski; prod/sc: Dan Fuller; ph: Laura Cecil; cast: Gabe Gronli, Kat Nichols, Dan Fuller, Nadia Ghasedi; 35mm, 185 ft., 3’ (16 fps), Communication Arts Department, University of Wisconsin-Madison.
Didascalie in inglese / English intertitles.

Negli ultimi quattro anni gli studenti dell’Università del Wisconsin hanno realizzato film muti con il nome di Wisconsin Bioscope Company, uno studio cinematografico di fantasia risalente ad un’epoca anteriore alla prima guerra mondiale, le cui due prime produzioni, Plan B (1999) e Winner Take All (2000), sono state presentate alle Giornate del 2000. Il loro primo film per il 2003, Cadtastrophe, è un’elaborazione tratta da A Chess Dispute di Robert W. Paul, del 1903. Come il lavoro di Paul, il film consiste di una ripresa lunga effettuata in un caffè, dove due giocatori prima discutono e poi scivolano oltre il fondo dell’inquadratura per continuare a lottare. Nel film di Paulè un cameriere a mettere fine alla loro disputa, ma Cadtastrophe aggiunge un quarto personaggio, una sguattera maltrattata. Così, l’aggressione della giovane donna da parte del vagabondo (il “cad”), durante una partita a carte, trova un parallelismo nella sguattera offesa dal cameriere. Il tema del film ne esce così approfondito, passando dalla disputa su un semplice gioco alle complesse relazioni tra uomini e donne, o tra aggressori e sottomessi. In tal modo, sono resi possibili anche i due finali a sorpresa.– Dan Fuller
For the past 4 years, University of Wisconsin students have made silent films as the Wisconsin Bioscope Company, a fictitious film studio from before the First World War, whose first two productions, Plan B (1999) and Winner Take All (2000), were shown at the 2000 Giornate. Their first film of 2003, Cadtastrophe, is an elaboration of Robert W. Paul’s A Chess Dispute of 1903. Like Paul’s film, it consists of an extended shot of a café scene in which two players disagree and then drop below the bottom of the frame to fight. In Paul’s film, a waiter ends the men’s dispute, but Cadtastrophe adds a fourth character, a scullery maid whom the waiter harasses. In this way, the cad’s attack on the young woman over a game of cards is paralleled by the waiter’s abuse of the scullery maid. This deepens the film’s theme from a dispute over a mere game to the troubled relations between men and women, or between the powerful and the subservient. It also makes possible two surprise endings. – Dan Fuller


COMPULSION (Filton College Media Department, Bristol, GB 2003)
Dir: Kris Camm, Max Connell; prod: Dave Hume; sc: Dave Hume, Matt Harris, Mo Cahill, Alex Parker; ph: Matt Harris, Ben Andrews, Chris Lucas, Reza Ahmadi; ed: Don Fairservice, Mel Simpkins; mus: Ben Curry, Oliver Kiczewski, Llywelyn Ap Myrddin, Anthony Seaman, Harriet Stevenson; des: Mo Cahill, Will Borthwick; fixer: Sam Wild; premiere: 21.2.2003, St. George’s, Bristol; Digital video, 19’, bn e colore / b/w & color, sonoro / sound, Filton College Media Department, Bristol. Sponsors: Orange; Arts & Business.
Senza didascalie / No intertitles.

Charlie, un uomo tormentato dalla morte della moglie, si ritrova sull’orlo del baratro, in un continuo andirivieni tra ragione e follia. Adam è una sorta di “Jack the Lad” con la passione per il gioco d’azzardo e le belle donne. Bethany, alla ricerca d’amore nel suo gelido ambiente cittadino, è destinata ad incrociare il cammino dei due uomini: per caso si troveranno insieme, e le loro vite cambieranno completamente.
Il progetto di Compulsion prese il via nell’ottobre del 2002. Il Dipartimento Media del Filton College aveva accolto con entusiasmo l’opportunità, unica, di mettere in pratica le teorie che gli studenti andavano apprendendo ogni giorno. Per i giovani cineasti questo progetto significò la possibilità di creare un intero film muto e vederlo crescere dal copione allo schermo. Le riprese, nelle gelide condizioni del periodo pre-natalizio, si rivelarono una notevole sfida – i generatori diesel furono trascinati su per Cabot Tower Hill e gli attori ed i cineoperatori continuarono coraggiosamente a lavorare, malgrado le mani fossero loro diventate blu per il freddo. Fu la pura e semplice ispirazione a mantenere saldo il gruppo di lavoro ed a tenere alto il morale per tutto il tempo. Il montatore del film, il professionista Don Fairservice, affiancò la troupe con la sua preziosa assistenza tecnica.
La partitura per Compulsion fu creata da cinque studenti di musica dell’Università di Bristol, sotto la guida esperta di Christopher Austin. I compositori iniziarono fissando un certo numero di tematiche, sia pure succinte, in cui ogni idea tendeva a rappresentare un’emozione od un rapporto, piuttosto che un oggetto od un personaggio specifici. Il film fu poi suddiviso in 5 sezioni o sequenze, affidate ciascuna ad un musicista. Agli studenti di musica per film, che potevano fruire di un più ampio accesso allo studio di registrazione, furono affidate le sequenze d’apertura e di chiusura, più lunghe. Benché la diversità di stili dei compositori sia a tratti evidente, l’uso di materiale tematico simile contribuisce ad unificare il lavoro. Gli studenti si sono applicati a creare una struttura musicale che articola e chiarisce l’architettura del film, suggerendo al tempo stesso il senso dello sviluppo narrativo.
Questo progetto cinematografico è sostenuto da Perform! (St. George’s Bristol Education Programme) come parte di un continuo impegno formativo attraverso le arti. – Il gruppo di Compulsion

Charlie – a man haunted by the death of his wife – finds himself slipping in and out of consciousness, close to the edge. Adam is a “Jack the Lad” with a taste for gambling and good-looking women. Bethany is destined to cross paths with both men as she searches for love in her cold urban world. One event brings them together – and their lives are changed forever.
The
Compulsion project began in October 2002. Filton College’s Media Department eagerly took on this unique opportunity to put into practice the theory their students were learning every day. For the young filmmakers, this project meant the complete creation of a silent film from script to screen. The filming proved a great challenge in freezing pre Christmas conditions – diesel powered generators were dragged up Cabot Tower Hill, actors and camera operators valiantly kept going despite hands turning blue with cold. Pure inspiration kept the group on its feet, and morale remained high throughout. Professional film editor Don Fairservice worked alongside the crew, giving invaluable technical guidance at every turn...
The score for
Compulsion was created by five Bristol University music students, under the expert guidance of Christopher Austin. The composers began by establishing a number of succinct thematic ideas, with each idea tending to represent an emotional state or relationship rather than a specific object or character. The film was then divided into 5 sections, and each composer was allocated a sequence of the film to score. The students of film music took the longer opening and closing sequences, as they had the advantage of extensive studio access. Although the differing styles of the composers is at times apparent, the use of similar thematic material helps to unify the work. The students have looked throughout to create a musical structure that articulates and clarifies the film’s architecture while creating a sense of sustained narrative development.
This film project is supported by Perform! – the St. George’s Bristol Education Programme – as part of a continuing commitment to education through the arts. –
The Compulsion team


LE DORMEUR (CH, 2003)
Dir/sc/ed: Richard Szotyori; prod: Robert Ralston; prod. co-ord: Imre Légman; ph: Tamàs Keményffy; mus: Enrico Camponovo (Improvisations on a Theme by Chopin); 1st asst. dir: Gàbor Forgàcs; 2nd asst. dir: Matthias Urban; des: Istvàn Balogh, Zoltàn Szabò; asst. ph: Jòzsef Takàcs; 2nd asst. ph: Bàlint Seres, Tamàs Bakos; make-up: Flora Sipos; wardrobe: Dora Hidasi; cast: Richard Szotyori, Camille Bouzaglo, Làszlò Jàszai, Jr., Lajos Mezei; 35mm, 580 m., 18’ (25 fps), colore / color, widescreen (aspect ratio: 1:1.85), sonoro / sound (Dolby A), Cinémathèque Suisse. Finanziamenti di / Funded by The Fonds Regio, in coprod. con / in co-production with SFDRS /TSR Swiss TV. Realizzato con il sostegno di / Made with the support of The Federal Office of Culture (Berne, Switzerland), Fondation Vaudoise pour le Cinéma, The Culture Percent Migros.
Senza didascalie. / No intertitles.

Anna e Paul conducono una vita molto abitudinaria, persino meccanica nella sua banalità. Un giorno, però, lei decide di andarsene lasciando semplicemente un biglietto sul tavolo. Quando Paul torna a casa e trova il messaggio d’addio, il suo universo ristretto va di colpo in frantumi. Il giorno dopo, un rappresentante di detersivi suona alla sua porta, annunciandogli la vittoria in un quiz. Il premio, una fantastica Lamborghini rossa, lo aspetta giù in cortile. Così inizia l’incubo di Paul…
Benché finanziato esclusivamente da fondi svizzeri, il film è stato girato interamente a Budapest per motivi estetici, perché la città offre una particolare percezione del tempo che fu che difficilmente si potrebbe trovare altrove. L’architettura cittadina nel suo complesso porta i segni di un passato monumentale ed al contempo abbandonato, che, mantenendosi funzionale, crea uno stranissimo effetto di straniamento temporale. Questa sensazione di essere caduti fuori dal tempo, che costituisce il tema centrale del film, doveva anche essere espressa dalla natura stessa del lavoro – muto, eppure girato a colori e su schermo panoramico. – Richard Szotyori

Richard Szotyori nacque a Berna, da genitori ungheresi, il primo gennaio 1972. Dopo gli studi in Svizzera, si iscrisse alla Scuola Nazionale di Cinematografia Ungherese di Budapest, dove studiò regia, montaggio e recitazione. Mentre lavorava alla Cinémathèque Suisse di Losanna prese a dirigere cortometraggi, ed oggi sta lavorando al suo primo lungometraggio. Fu tra i membri originali del Collegium Sacilense alle Giornate del Cinema Muto, e la sua passione per il cinema muto è scaturita proprio, in vasta misura, “dai film straordinari che ho potuto scoprire in occasione di questo festival.”

Anna and Paul lead a very unremarkable life, composed by mechanical habits. One day Anna decides to leave, just putting a note on the table. When Paul comes home and finds her farewell note on the table, his narrow universe suddenly collapses. Next day, the agent of a washing powder company rings at his door, announcing that Paul is the winner of their quiz. His prize, a fantastic red Lamborghini, is waiting for him down in the courtyard. Paul’s nightmare has begun .....
Although exclusively financed by Swiss funds, for aesthetic reasons the film was entirely shot in Budapest. The city offers a distinctive kind of outdated feeling that can scarcely be found elsewhere. The whole architecture of the town carries the marks of a monumental and yet abandoned past, which, remaining functional, creates a very strange state of timelessness. This feeling of having been dropped out of time, the central theme of the film, was also intended to be expressed by the very nature of the film – silent, yet shot in color and widescreen. –
Richard Szotyori
Richard Szotyori was born on 1 January 1972 in Berne, of Hungarian parents. After studies in Switzerland, he enrolled at the Hungarian National Film School in Budapest, where he studied direction, editing, and acting. While working at the Cinémathèque Suisse in Lausanne he has been directing short films, and is now preparing his first full-length feature. He was an original collegian of the Collegium Sacilense of Le Giornate del Cinema Muto, and his passion for silent cinema was largely aroused “by the extraordinary films I had the chance to discover at this festival”.


THE HEART OF THE WORLD (Rhombus Media, CA 2000)
Dir/sc: Guy Maddin; prod: Niv Fichman, Judy Shapiro, Jennifer Weiss; ph/ed: Guy Maddin, deco dawson; mus: Georgy Sviridov, suite dalla partitura di / from the film score Vremya, vperyod! (Tempo, avanti! / Time, Forward!; 1967); des: Réjean Labrie; art dir: Olaf Dux; cost: Meg McMillan; cast: Leslie Bais, Caelum Vatnsdal, Shaun Balbar, Greg Klymkiw, Tammy Gillis, Carson Natrass; 35mm, 540 ft., 6’ (24 fps), bn / b/w, sonoro / sound, Toronto International Film Festival Group.
Didascalie in inglese / English intertitles.

Si tratta di un cortometraggio di 6 minuti commissionato in origine nell’ambito della serie dei Preludes per il venticinquesimo anniversario del Toronto International Film Festival, vincitore di molti premi – salutato da molti critici come “uno dei migliori film dell’anno, indipendentemente dalla lunghezza” – ed adorabile parodia del cinema muto sovietico di Sergei Eisenstein e Vsevolod Pudovkin, oltre che del melodramma muto in generale.
Evocando i film muti classici, i primi film dell’orrore, i serial a puntate e le pellicole di propaganda, The Heart of the World racconta la mitica storia di Anna, una scienziata che lavora per lo stato, e dei due fratelli che spasimano per il suo amore, mentre lei cerca di salvare il mondo dal capitalista malvagio, Akmatov.
Con 850 distinte sequenze dichiarate in meno di 6 minuti, l’uso ritmico delle didascalie e dei frammenti di frase crea una potente poesia visiva. Imbevuto della morbosità tipicamente casuale di Maddin e di un senso dell’humour proprio dell’avanguardia, The Heart of the World è il più conciso – e forse più efficace – esempio del caratteristico genio cinematografico del regista.
The Heart of the World, dopo i molti premi ed apprezzamenti in Canada, negli Stati Uniti ed in Europa, si è velocemente affermato con uno dei migliori cortometraggi mai realizzati. Ha ottenuto un Genie Award nella categoria dramma breve con azione dal vivo ed è stato nominato miglior film sperimentale dell’anno dalla National Society of Film Critics (USA). – http://www.filmreferencelibrary.ca (sito del Toronto International Film Festival Group)

Il lavoro di 6 minuti del regista canadese Guy Maddin, un misto di musica, video, Eisenstein e science fiction, dovrebbe essere visto ad ogni costo. Fungendo apparentemente anche da iper-storia del mondo (o forse solo del cinema), The Heart of the World narra in modo quasi subliminale la storia di due fratelli – un “giovane impresario di pompe funebri” (Shaun Balbar) ed un attore che interpreta Gesù Cristo (Caelum Vatnsdal) - entrambi innamorati dell’eroica Anna (Leslie Bais), una “scienziata statale” che, studiando il cuore della Terra, scopre che il mondo rischia di morire d’infarto. (E non c’è da stupirsi, con tutta quell’azione!) Sulla spinta di un accompagnamento orchestrale sovietico, adeguatamente frenetico, questa folle corsa di immagini graffiate e malferme obbliga il pubblico a tenere gli occhi quanto più spalancati può per tutti i sei minuti – anche se non ci si sognerebbe proprio di riuscire ad assorbire tutto quanto, neanche dopo una dozzina di volte. È però difficile non cogliere il messaggio di Maddin: Com’è macchinoso, com’è ridicolo, e com’è dannatamente divertente questo nostro sciocco mezzo! – Rob Nelson, citypages.com (sito Minneapolis-St. Paul)

A 6-minute short originally commissioned as part of the Preludes series for the 25th anniversary of the Toronto International Film Festival, this multiple award-winning short film – heralded by many critics as “one of the best films of the year, regardless of length” – is a loving parody of the silent Soviet cinema of Sergei Eisenstein and Vsevolod Pudovkin, and of silent movie melodrama in general.
Evoking classic silent films, early horror films, chapter serials, and
propaganda reels,
The Heart of the World tells the mythic story of Anna, a state scientist, and the two brothers who vie for her love while she tries to save the world from the evil Capitalist, Akmatov.
With a reported 850 separate edits in less than 6 minutes, the film’s rhythmic use of intertitles and sentence fragments creates a forceful visual poetry. Possessed of Maddin’s typically casual morbidity and
uniquely avant-garde sense of humour,
The Heart of the World is the most concise – and perhaps most successful – articulation of Maddin’s signature cinematic genius.
The Heart of the World received a number of awards and accolades in Canada, the United States, and Europe, and has very quickly become considered one of the best short films ever made. It scored a Genie Award for Live Action Short Drama and was named the year’s Best Experimental Film by the National Society of Film Critics (USA). – http://www.filmreferencelibrary.ca (Toronto International Film Festival Group website

Canadian director Guy Maddin’s six-minute music-video-cum-Eisensteinian-sci-fi-workout, should be seen at all costs. Seeming to double as an aptly hyper history of the world (or maybe just of movies),
The Heart of the World almost subliminally relates the tale of two brothers – a “youth mortician” (Shaun Balbar) and an actor (Caelum Vatnsdal) playing Jesus Christ – who are both in love with the heroic Anna (Leslie Bais), a “state scientist” studying the Earth’s core and discovering that the world is at serious risk of death by heart failure. (And no wonder, with all that action!) Further propelled by a suitably frantic Soviet orchestral score, the insane rush of scratched, jumpy images compels you to keep your eyes as wide as possible for the entire six minutes – even though you couldn’t dream of absorbing it all even after a dozen viewings. Harder to miss is Maddin’s message: How contrived, how ridiculous, and how goddamn exciting this silly medium of ours! – Rob Nelson, citypages.com (website, Minneapolis-St. Paul)

EINE HOMMAGE AN CHARLIE CHAPLIN (Stefan Pößiger, D 2002)
Dir/prod: Stefan Pößiger; cast: Marina Hartwig (Die Tochter / the daughter), Claudia Herb (Die Mutter / the mother), Andreas Berger (Der Vater / the father), Mirko Scheit (Der böse Professor / the professor), Michael Schneider (Der Gehilfe des Professors / the professor’s assistant), Manuel Stühn (Der Polizist/Der Radfahrer/Der Kellner im Café/Das falsche Mädchen / policeman/cyclist/waiter in café/false girl), Fatih Baran (Der Barkeeper in der Bar/Der Mann mit dem Bart / barkeeper in bar/man with beard), Andreas Rein (Der Gangster in der Bar/Der Zeitungsleser im Café / gangster in bar/newspaper-reader in bar), Barbara Bertram, Nicole Reißfelder, Ute Harter (Die drei Damen im Park / three women in the park), Hannah Lemminger (Das kleine Mädchen / little girl), Finn Lemminger (Das Baby / the baby), Hans-Jörg Banaj (Der Barkeeper im Café / barkeeper in café), Stefan Pößiger (Der Autofahrer / car driver), Willi Schmider (Der Landarbeiter / the old farmer), Artur Rotfuß (Ein Tramp / a tramp); a project of the School for Deaf Children, Freiburg-Stegen, website http://www.stummmfilmf.de.vu; orig. format: Super-8; Digital video, 55’, Günter A. Buchwald.
Didascalie in tedesco / German intertitles.
Accompagnamento musicale dal vivo di / Live musical accompaniment by Günter A. Buchwald.

Stefan Pößinger (34 anni) insegna alla scuola per bambini sordi di Freiburg-Stegen. Era un musicista versatile finché non cominciarono i problemi di udito; allora, nel suo ruolo di insegnante, si chiese, “Cosa posso fare in campo artistico con i bambini sordi? Musica? Teatro?”
“ UN FILM MUTO!”
Trovò così una macchina da presa Super-8 ed abbastanza pellicola in bianco e nero da girare sì e no 8 minuti. Lasciò che i bambini giocassero. Nel frattempo, gli avevano insegnato a doppiare ed a far sparire la gente. La storia cominciò a prendere forma. Lasciò che i bambini giocassero ancora … e la storia diventò sempre più lunga, grazie al contributo di ognuno.
Successe tutto durante le vacanze scolastiche. Tutto il sostegno, nonché la parte adulta del cast, venne da privati cittadini. Vennero a girare a 200 metri da dove vivo io: ingiustizia! (E Stefan ancora non lo sa…)
Andando con la troupe in Svizzera per girare il finale sulle Alpi, si trovò a visitare la tomba di Charlie, mostrando così agli studenti qualcosa di più di come si gira un film…
Il giorno prima della presentazione, il Freiburg Kommunales Kino mandò qualcuno da me a chiedermi, “Può suonare domani, per una cosa messa in piedi da un insegnante? (Può essere una cosa valida…?)”
Beh, mi ritrovai a piangere un bel po’... – Günter A. Buchwald

Stefan Pößinger (34) teaches at the School for Deaf Children in Freiburg-Stegen. He was a versatile musician until he suffered hearing problems. In his role as a teacher, he asked himself, “What can I do with deaf children in the art sector – Music? Theatre?
“— SILENT FILM!”
He found a Super-8 camera, and enough black-and-white stock to shoot maybe 8 minutes. He let the children play. Someone told him how to dub, and how to make people disappear. The story began to take shape.
He let the children play more .... and the story grew longer and longer, with everybody contributing ideas.
It all happened during the school holidays. All the help – and the grown-up actors – came from private people. The locations – about 200 metres from where I live: illegal! (Stefan still does not know…)
He went with his crew to Switzerland to shoot the Alpine ending, and visited Charlie’s grave, showing the pupils more than just how to make a film....
The day before the premiere, somebody from the Freiburg Kommunales Kino crew came to me and asked, “Can you play tomorrow for some stuff made by a teacher? (Can this be good...?)”
Oh dear, I had more than one tear in my eyes...
– Günter A. Buchwald


THE MAGIC TREE (Wisconsin Bioscope, US 2003)
Dir/sc: Kat Nichols; prod: Dan Fuller; ph: Gabe Gronli; cast: Kevin French, Max Fuller, Lynne Wisnefski; 35mm, 265 ft., 4’ (16 fps), Communication Arts Department, University of Wisconsin-Madison.
Didascalie in inglese / English intertitles.

Per prepararsi, gli universitari che compongono la Wisconsin Bioscope Company si guardano i film della concorrenza (Edison, Vitagraph, Pathé, Biograph, Kalem, Essanay, Hepworth, Maddin) e si leggono 200 pagine di istruzioni di tecnica cinematografica redatte da esperti, tra cui Billy Bitzer, William C. de Mille, King Vidor, Henry King, Karl Brown, Joseph Walker, Lillian Gish, Colleen Moore, Mae Marsh, Lon Chaney ed Anita Loos, oltre ai meno noti Carl Lewis Gregory e Helen ed Inez Klumph. Imparano anche a manovrare le due macchine da presa della compagnia (una Urban Bioscope Modello D del 1907 ed una Universal del 1924) e la stampatrice Stineman del 1918; si occupano inoltre delle didascalie e dello sviluppo. Tranne per le pellicole, comperate dalla compagnia Eastman, la Wisconsin Bioscope è autosufficiente per tutte le operazioni tecniche. I 15 che vi lavorano sanno anche rendersi autosufficienti dal punto di vista artistico, visto che scrivono, dirigono e recitano nei film che si autoproducono. Con così pochi dipendenti, l’approccio della Wisconsin Bioscope è di tipo artigianale, non industriale, ed ogni membro della compagnia dev’essere disponibile a provare ogni tipo di incarico. Così la protagonista di Cadtastrophe, Kat Nichols, divenne sceneggiatrice e regista della produzione successiva, The Magic Tree. La sceneggiatura di quest’ultimo film fu rivista diverse volte, eliminando un quarto personaggio e molti oggetti di scena. Si era anche pensato ad effetti speciali quali le dissolvenze incrociate, oppure a fermare e far ripartire la macchina durante le riprese, ma poi fu preferito un metodo più semplice per presentare un misterioso ingresso ed un’altrettanto misteriosa uscita. Anche le didascalie per il film furono riscritte molte volte prima che la compagnia optasse per una poesia che richiama le favole: Ciò che hai amato / Ciò che hai perduto / Quest’albero restituisce /Ma va pagato. – Dan Fuller

To prepare for their work, the university students who compose the Wisconsin Bioscope Company watch competitors’ films (Edison, Vitagraph, Pathé, Biograph, Kalem, Essanay, Hepworth, Maddin) and read 200 pages of instruction in film technique by experts, including Billy Bitzer, William C. de Mille, King Vidor, Henry King, Karl Brown, Joseph Walker, Lillian Gish, Colleen Moore, Mae Marsh, Lon Chaney, and Anita Loos, as well as the lesser-known Carl Lewis Gregory and Helen and Inez Klumph. They learn to operate the firm’s two cameras (a 1907 Urban Bioscope Model D and a 1924 Universal), the 1918 Stineman printer, and to shoot titles and develop film. Except for the film stock, bought from Mr. Eastman’s company, Wisconsin Bioscope is self-sufficient in its technical operations. Its 15 workers also make it self-sufficient artistically, as they write, direct, and act in the films they produce. With so few workers, Wisconsin Bioscope’s approach to filmmaking is artisanal, not industrial. Each member of the company must be willing to try any job. Thus the female lead of Cadtastrophe, Kat Nichols, became the writer and director of the next production, The Magic Tree.
The scenario for The Magic Tree was revised several times, eliminating a fourth character and many props. Special effects like lap-dissolves and stopping and starting the camera during the shot were considered before a simpler method of achieving a mysterious entrance and exit was chosen. Also, the titles for the film were rewritten many times before the company settled on a rhyme reminiscent of a fairy tale: What you have loved / What you have lost / This tree returns / At a great cost.
– Dan Fuller


“ PIPE DOWN!” (Moving Pictures Films, GB 2004)
Dir/sc/concept: Seth Watkins; prod: Guy Thomson; special thanks to: Paul Smith; Digital video, 2’, bn / b/w, Moving House Films.
Didascalie in inglese / English intertitles.

Il produttore di questo slapstick animato, Guy Thomson, scrive provocatoriamente: “‘Pipe Down!’ è l’unica testimonianza conservatasi di una partnership che dallo schermo catturò i cuori e le menti del pubblico degli anni Venti. Sidney Garnet e Chester Albright attirarono le platee per più di 30 anni, prima che la loro carriera venisse stroncata da un tragico incidente che avrebbe stupito allo stesso modo zoologi e dentisti. Con trascorsi da music hall, come moltissime altre star del muto, Garnet ed Albright si affermarono presto come i ‘Fenwick e Robespier’ della scena di Londra. Garnet, un noto proctologo, si era fatto strada partendo da zero, mentre Albright, figlio di Lord Albright, aveva sempre mostrato grande interesse per la zootecnia, fino a restarci invischiato. Si narra che il duo si fosse incontrato in un negozio. Il passaggio al cinema fu attentamente ponderato; Garnet ed Albright, prudentemente, vollero vedere come se la cavava Chaplin prima di imitarlo. La loro partnership durò lo spazio di 6 film, 5 corti ed il famigerato film a 22 rulli Today Dog, Tomorrow...Maybe Pheasant?, che avrebbe segnato l’inizio della fine, rispecchiando stranamente la tragedia reale che sarebbe accaduta in seguito. Dei 5 corti che potrebbero essersi conservati, ‘Pipe Down!’ è considerato dagli esperti come ‘probabilmente il migliore, ma tanto erano tutti molto simili,’ così eccolo presentato qui nella sua interezza, come originariamente intendeva il regista.”

The producer of this slapstick animation, Guy Thomson, writes defiantly: “‘Pipe Down!’ is the only surviving evidence of a screen partnership that captured the hearts and minds of the theatre-going public of the 1920s. Sidney Garnet and Chester Albright floored audiences for over 30 years before their career was cut short in a tragic accident that was to baffle zoologists and dentists alike. Beginning in music hall, like so many silent stars, Garnet and Albright soon established themselves as the ‘Fenwick and Robespier’ of the London stage. Garnet, an eminent proctologist, had come up the hard way, whereas Albright, son of Lord Albright, had always shown a great interest in animal husbandry, until he was caught at it. Famously the duo met at a shop. The move to bring the act to film was not taken lightly; Garnet and Albright cautiously waited to see how Chaplin fared before stepping up and copying him. The partnership lasted only 6 films, 5 shorts and the infamous 22-reeler Today Dog, Tomorrow...Maybe Pheasant?, which was to mark the beginning of the end, and eerily mirror the real-life tragedy that would mark the end of the end. Of the 5 shorts that could have survived, ‘Pipe Down!’ is regarded by experts as probably the best of the bunch, but they were all much of a muchness anyway’, and so here it is presented, as originally intended by its director, in its entirety.”


THE SCAPEGOAT (Porkpie Films, US 2003)
Dir/sc/ed: Darren Ng; prod: Darren Ng, Derrick Ng, Darryl Ng; ph: Derrick Ng; mus: Daniel Tobias, Rami Bar-Niv; cast: Darren Ng (College Student), Scott Honey (Bully), Cassandra Chan (Girl), Darryl Ng (Thug), Derrick Ng (Thug) Bernice Ng (Bully’s girlfriend); Digital video, 23’, b/n e colore / b/w & color, sonoro / sound [Giornate showing silent, with live musical accompaniment], Darren Ng.
Didascalie in inglese / English intertitles.

“ Quando mi imbattei per la prima volta nei film di Keaton fui veramente stupito dalla sua presenza scenica e dal talento fisico. Dopo aver osservato le sue interpretazioni, e trovandomi così ad apprezzare di più i film muti, sentii che girare un film muto al giorno d’oggi avrebbe reso più persone consapevoli dell’arte insita in quel tipo di cinema e, speravo, le avrebbe spinte ad apprezzarlo di più. Buster Keaton era indubbiamente il re delle commedie slapstick. Io spero di aver raggiunto la meta che era anche sua, cioè – semplicemente – far ridere il pubblico grazie alla comicità fisica.” – Darren Ng

“ Nei suoi cortometraggi incentrati su una serie di equivoci (romantici e non) in un campus, Darren Ng azzecca proprio le caratteristiche di Keaton. Ci sono momenti di acrobazie virtuosistiche, trame incredibilmente complesse, incontri casuali, oltre ovviamente alle aspirazioni romantiche dell’eroe, nobili, incomprese e frustrate.
Quanto più si sa dello stile di Keaton, tanto più si apprezza lo sforzo che sta dietro The Scapegoat. Come Keaton, Ng ha accuratamente elaborato le azioni fisiche, facendole fluire in modo naturale dalla logica del racconto. Come Keaton, Ng inventa situazioni in cui il suo eroe sembra alla mercé di eventi casuali che sono, in effetti, accuratamente coreografati. Come Keaton, Ng unisce le acrobazie ed il balletto in un portamento fisico che in qualche modo sopravvive agli imprevisti ed alle cadute sul sedere. The Scapegoat è un affettuoso omaggioad un grande artista, ed un film che merita appieno di essere accostato alla sua fonte.” – Roger Ebert

Darren Ng studia optometria all’Università di California, a Berkeley. La sua scoperta di Keaton risale all’ammirazione per Jackie Chan, che cita sempre Keaton tra le principali fonti d’ispirazione. Il film fu girato perlopiù al campus di Berkeley; tra gli edifici storici visibili nelle scene dell’inseguimento ci sono Sather Gate e la torre del Campanile. Per risparmiare, l’intera famiglia di Ng fu coinvolta nella produzione, così il bilancio finale delfilm si attestò sui 300 dollari. L’investimento più dispendioso fu il cappello a cupola, costato più del vestito e del noleggio della macchinina per il golf messi assieme. – comunicato stampa

“ When I first came upon Keaton’s films, I was truly amazed with his on-screen comedic and physical talents. After watching his performances, I gained a greater appreciation for silent films. I felt that making a modern-day silent film would help more people become aware of the art of silent films and to hopefully gain an appreciation for it. Buster Keaton was undoubtedly the king of slapstick comedy. I hope I was able to achieve Keaton’s goal, which was simply making the audience laugh through physical comedy.” – Darren Ng

“ In his short film about a series of misunderstandings (romantic and otherwise) on a campus, Darren Ng gets those Keaton qualities just right. There are moments of virtuoso acrobatics, amazing plot complexities, coincidences, chance meetings, and of course the hero’s romantic ambitions, which are noble and misunderstood and thwarted.
“ The more you know about the Keaton style, the more you appreciate the thought and effort that went into T
he Scapegoat. Like Keaton, Ng has been painstaking in working out the physical actions and making them seem to flow naturally out of the logic of the story. Like Keaton, he devises situations in which his hero seems to be at the mercy of random events which are, in fact, lovingly choreographed. Like Keaton, he combines acrobatics and ballet into physical poise that somehow survives the setbacks and pratfalls. The Scapegoat is a loving tribute to a great artist – and a film that fully deserves comparison with its inspiration.” – Roger Ebert

Darren Ng is an optometry student at the University of California, Berkeley. He discovered Keaton through his admiration of Jackie Chan, who always credits Keaton as a major source of inspiration. The film was mostly shot on the Berkeley campus. Historical landmarks seen in the chase scenes include Sather Gate and the Campanile clock tower. To save money, the entire Ng family took part in the production. The final budget for the film was $300. The most costly investment was the porkpie hat, which cost more than the suit and golf-cart rental combined.
– press release