Sin dagli inizi del festival i nostri ospiti ci hanno sempre spronati
a mostrare nuovi film muti, affiancandoli così ai programmi
storici. Quest’anno, per la prima volta, siamo riusciti a
trovare un numero sufficiente di opere di varia origine – in
genere produzioni indipendenti e a basso costo – per giustificare
l’esistenza di questa
speciale sezione, che va da The Heart of the World, capolavoro riconosciuto
in 6 minuti dello sperimentatore canadese Guy Maddin (nato nel 1956),
a Eine Hommage an Charlie Chaplin, incredibile scoperta dell’importanza
del cinema muto come attività artistica per i bambini sordi.
Almost since the Festival began, guests have urged us to show new
silent motion pictures alongside the historical programmes. This year
for the
first time we have managed to find enough films from various sources – but
generally independent and mini-budget – to justify this special section,
which ranges from The Heart of the World, the acknowledged,
6-minute chef d’oeuvre of the Canadian experimentalist Guy Maddin (born 1956),
to Eine Hommage an Charlie Chaplin, an exhilarating discovery
of the silent movie as a fulfilling art enterprise for deaf children.
David Robinson
CADTASTROPHE (Wisconsin Bioscope, US 2003)
Dir: Lynne Wisnefski; prod/sc: Dan Fuller; ph: Laura Cecil; cast: Gabe
Gronli, Kat Nichols, Dan Fuller, Nadia Ghasedi; 35mm, 185 ft., 3’ (16
fps), Communication Arts Department, University of Wisconsin-Madison.
Didascalie in inglese / English intertitles.
Negli ultimi quattro anni gli studenti dell’Università del
Wisconsin hanno realizzato film muti con il nome di Wisconsin Bioscope
Company, uno studio cinematografico di fantasia risalente ad un’epoca
anteriore alla prima guerra mondiale, le cui due prime produzioni,
Plan B (1999) e Winner Take All (2000), sono state presentate alle
Giornate del
2000. Il loro primo film per il 2003, Cadtastrophe, è un’elaborazione
tratta da A Chess Dispute di Robert W. Paul, del 1903. Come il lavoro
di Paul, il film consiste di una ripresa lunga effettuata in un caffè,
dove due giocatori prima discutono e poi scivolano oltre il fondo dell’inquadratura
per continuare a lottare. Nel film di Paulè un cameriere a mettere
fine alla loro disputa, ma Cadtastrophe aggiunge un quarto personaggio,
una sguattera maltrattata. Così, l’aggressione della giovane
donna da parte del vagabondo (il “cad”), durante una partita
a carte, trova un parallelismo nella sguattera offesa dal cameriere.
Il tema del film ne esce così approfondito, passando dalla disputa
su un semplice gioco alle complesse relazioni tra uomini e donne, o
tra aggressori e sottomessi. In tal modo, sono resi possibili anche
i due finali
a sorpresa.– Dan Fuller
For the past 4 years, University of Wisconsin students have made
silent films as the Wisconsin Bioscope Company, a fictitious film studio
from
before the First World War, whose first two productions, Plan
B (1999)
and Winner Take All (2000), were shown at the 2000 Giornate.
Their first film of 2003, Cadtastrophe, is an elaboration
of Robert W. Paul’s
A Chess Dispute of 1903. Like Paul’s film, it consists of an extended
shot of a café scene in which two players disagree and then drop
below the bottom of the frame to fight. In Paul’s film, a waiter
ends the men’s dispute, but Cadtastrophe adds a fourth
character, a scullery maid whom the waiter harasses. In this way, the
cad’s
attack on the young woman over a game of cards is paralleled by the waiter’s
abuse of the scullery maid. This deepens the film’s theme from a
dispute over a mere game to the troubled relations between men and women,
or between the powerful and the subservient. It also makes possible two
surprise endings. – Dan Fuller
COMPULSION (Filton College Media Department, Bristol, GB 2003)
Dir: Kris Camm, Max Connell; prod: Dave Hume; sc: Dave Hume, Matt Harris,
Mo Cahill, Alex Parker; ph: Matt Harris, Ben Andrews, Chris Lucas,
Reza Ahmadi; ed: Don Fairservice, Mel Simpkins; mus: Ben Curry, Oliver
Kiczewski,
Llywelyn Ap Myrddin, Anthony Seaman, Harriet Stevenson; des: Mo Cahill,
Will Borthwick; fixer: Sam Wild; premiere: 21.2.2003, St. George’s,
Bristol; Digital video, 19’, bn e colore / b/w & color, sonoro
/ sound, Filton College Media Department, Bristol. Sponsors: Orange; Arts & Business.
Senza didascalie / No intertitles.
Charlie, un uomo tormentato dalla morte della moglie, si ritrova
sull’orlo
del baratro, in un continuo andirivieni tra ragione e follia. Adam è una
sorta di “Jack the Lad” con la passione per il gioco d’azzardo
e le belle donne. Bethany, alla ricerca d’amore nel suo gelido ambiente
cittadino, è destinata ad incrociare il cammino dei due uomini:
per caso si troveranno insieme, e le loro vite cambieranno completamente.
Il progetto di Compulsion prese il via nell’ottobre del 2002. Il
Dipartimento Media del Filton College aveva accolto con entusiasmo l’opportunità,
unica, di mettere in pratica le teorie che gli studenti andavano apprendendo
ogni giorno. Per i giovani cineasti questo progetto significò la
possibilità di creare un intero film muto e vederlo crescere dal
copione allo schermo. Le riprese, nelle gelide condizioni del periodo pre-natalizio,
si rivelarono una notevole sfida – i generatori diesel furono trascinati
su per Cabot Tower Hill e gli attori ed i cineoperatori continuarono coraggiosamente
a lavorare, malgrado le mani fossero loro diventate blu per il freddo.
Fu la pura e semplice ispirazione a mantenere saldo il gruppo di lavoro
ed a tenere alto il morale per tutto il tempo. Il montatore del film, il
professionista Don Fairservice, affiancò la troupe con la sua
preziosa assistenza tecnica.
La partitura per Compulsion fu creata da cinque studenti di musica
dell’Università di
Bristol, sotto la guida esperta di Christopher Austin. I compositori iniziarono
fissando un certo numero di tematiche, sia pure succinte, in cui ogni idea
tendeva a rappresentare un’emozione od un rapporto, piuttosto che
un oggetto od un personaggio specifici. Il film fu poi suddiviso in 5 sezioni
o sequenze, affidate ciascuna ad un musicista. Agli studenti di musica
per film, che potevano fruire di un più ampio accesso allo studio
di registrazione, furono affidate le sequenze d’apertura e di chiusura,
più lunghe. Benché la diversità di stili dei compositori
sia a tratti evidente, l’uso di materiale tematico simile contribuisce
ad unificare il lavoro. Gli studenti si sono applicati a creare una struttura
musicale che articola e chiarisce l’architettura del film, suggerendo
al tempo stesso il senso dello sviluppo narrativo.
Questo progetto cinematografico è sostenuto da Perform! (St. George’s
Bristol Education Programme) come parte di un continuo impegno formativo
attraverso le arti. – Il gruppo di Compulsion
Charlie – a man haunted by the death of his wife – finds
himself slipping in and out of consciousness, close to the edge. Adam
is a “Jack
the Lad” with a taste for gambling and good-looking women.
Bethany is destined to cross paths with both men as she searches
for love in her
cold urban world. One event brings them together – and their
lives are changed forever.
The Compulsion project began in October 2002. Filton College’s Media
Department eagerly took on this unique opportunity to put into practice
the theory their students were learning every day. For the young filmmakers,
this project meant the complete creation of a silent film from script to
screen. The filming proved a great challenge in freezing pre Christmas
conditions – diesel powered generators were dragged up Cabot
Tower Hill, actors and camera operators valiantly kept going despite
hands
turning blue with cold. Pure inspiration kept the group on its
feet, and morale
remained high throughout. Professional film editor Don Fairservice
worked alongside the crew, giving invaluable technical guidance
at every turn...
The score for Compulsion was created by five Bristol University
music students, under the expert guidance of Christopher Austin.
The composers
began by
establishing a number of succinct thematic ideas, with each idea
tending to represent an emotional state or relationship rather
than a specific
object or character. The film was then divided into 5 sections,
and each composer was allocated a sequence of the film to score.
The
students of film music took the longer opening and closing sequences,
as they
had the
advantage of extensive studio access. Although the differing styles
of
the composers is at times apparent, the use of similar thematic
material helps to unify the work. The students have looked throughout
to create
a musical structure that articulates and clarifies the film’s
architecture while creating a sense of sustained narrative development.
This film project is supported by Perform! – the St. George’s
Bristol Education Programme – as part of a continuing commitment
to education through the arts. – The Compulsion
team
LE DORMEUR (CH, 2003)
Dir/sc/ed: Richard Szotyori; prod: Robert Ralston; prod.
co-ord: Imre Légman;
ph: Tamàs Keményffy; mus: Enrico Camponovo (Improvisations
on a Theme by Chopin); 1st asst. dir: Gàbor Forgàcs; 2nd
asst. dir: Matthias Urban; des: Istvàn Balogh, Zoltàn Szabò;
asst. ph: Jòzsef Takàcs; 2nd asst.
ph: Bàlint Seres,
Tamàs Bakos; make-up: Flora Sipos; wardrobe: Dora Hidasi; cast:
Richard Szotyori, Camille Bouzaglo, Làszlò Jàszai,
Jr., Lajos Mezei; 35mm, 580 m., 18’ (25 fps), colore / color, widescreen (aspect
ratio: 1:1.85), sonoro / sound (Dolby A), Cinémathèque
Suisse. Finanziamenti di / Funded by The Fonds Regio, in coprod. con /
in co-production with SFDRS /TSR Swiss TV. Realizzato con il sostegno di
/ Made with the support of The Federal Office of Culture (Berne, Switzerland),
Fondation Vaudoise pour le Cinéma, The Culture Percent Migros.
Senza didascalie. / No intertitles.
Anna e Paul conducono una vita molto abitudinaria, persino meccanica
nella sua banalità. Un giorno, però, lei decide
di andarsene lasciando semplicemente un biglietto sul tavolo.
Quando Paul torna a casa e trova
il messaggio d’addio, il suo universo ristretto va di
colpo in frantumi. Il giorno dopo, un rappresentante di detersivi
suona alla sua porta, annunciandogli
la vittoria in un quiz. Il premio, una fantastica Lamborghini
rossa, lo aspetta giù in cortile. Così inizia
l’incubo di Paul…
Benché finanziato esclusivamente da fondi svizzeri, il film è stato
girato interamente a Budapest per motivi estetici, perché la città offre
una particolare percezione del tempo che fu che difficilmente si potrebbe
trovare altrove. L’architettura cittadina nel suo complesso porta
i segni di un passato monumentale ed al contempo abbandonato, che, mantenendosi
funzionale, crea uno stranissimo effetto di straniamento temporale. Questa
sensazione di essere caduti fuori dal tempo, che costituisce il tema centrale
del film, doveva anche essere espressa dalla natura stessa del lavoro – muto,
eppure girato a colori e su schermo panoramico. – Richard Szotyori
Richard Szotyori nacque a Berna, da genitori ungheresi, il
primo gennaio 1972. Dopo gli studi in Svizzera, si iscrisse
alla Scuola
Nazionale
di Cinematografia Ungherese di Budapest, dove studiò regia, montaggio
e recitazione. Mentre lavorava alla Cinémathèque Suisse di
Losanna prese a dirigere cortometraggi, ed oggi sta lavorando al suo primo
lungometraggio. Fu tra i membri originali del Collegium Sacilense alle
Giornate del Cinema Muto, e la sua passione per il cinema muto è scaturita
proprio, in vasta misura, “dai film straordinari che
ho potuto scoprire in occasione di questo festival.”
Anna and Paul lead a very unremarkable life, composed
by mechanical habits. One day Anna decides to leave, just
putting
a note
on the table. When
Paul comes home and finds her farewell note on the table,
his narrow universe
suddenly collapses. Next day, the agent of a washing powder
company rings at his door, announcing that Paul is the winner
of their
quiz. His prize,
a fantastic red Lamborghini, is waiting for him down in the
courtyard. Paul’s nightmare has begun .....
Although exclusively financed by Swiss funds, for aesthetic
reasons the film was entirely shot in Budapest. The city
offers a distinctive
kind
of outdated feeling that can scarcely be found elsewhere.
The whole architecture of the town carries the marks of a
monumental
and
yet abandoned past,
which, remaining functional, creates a very strange state
of timelessness. This
feeling of having been dropped out of time, the central theme
of the film, was also intended to be expressed by the very
nature of the film – silent,
yet shot in color and widescreen. – Richard Szotyori
Richard Szotyori was born on 1 January 1972 in Berne, of
Hungarian parents. After studies in Switzerland, he enrolled
at the Hungarian
National Film
School in Budapest, where he studied direction, editing,
and acting. While working at the Cinémathèque Suisse in Lausanne he has been
directing short films, and is now preparing his first full-length feature.
He was an original collegian of the Collegium Sacilense of Le Giornate
del Cinema Muto, and his passion for silent cinema was largely aroused “by
the extraordinary films I had the chance to discover at this festival”.
THE HEART OF THE WORLD (Rhombus Media, CA 2000)
Dir/sc: Guy Maddin; prod: Niv Fichman, Judy Shapiro, Jennifer
Weiss; ph/ed: Guy Maddin, deco dawson; mus: Georgy Sviridov,
suite dalla
partitura di
/ from the film score Vremya, vperyod! (Tempo, avanti!
/ Time, Forward!; 1967); des: Réjean Labrie; art
dir: Olaf Dux; cost: Meg McMillan;
cast: Leslie Bais, Caelum Vatnsdal, Shaun Balbar, Greg Klymkiw, Tammy Gillis,
Carson Natrass; 35mm, 540 ft., 6’ (24 fps), bn / b/w,
sonoro / sound, Toronto International Film Festival Group.
Didascalie in inglese / English intertitles.
Si tratta di un cortometraggio di 6 minuti commissionato
in origine nell’ambito
della serie dei Preludes per il venticinquesimo anniversario
del Toronto International Film Festival, vincitore di
molti premi – salutato
da molti critici come “uno dei migliori film dell’anno,
indipendentemente dalla lunghezza” – ed adorabile
parodia del cinema muto sovietico di Sergei Eisenstein
e Vsevolod Pudovkin,
oltre che del melodramma muto
in generale.
Evocando i film muti classici, i primi film dell’orrore,
i serial a puntate e le pellicole di propaganda, The
Heart of the World racconta
la mitica storia di Anna, una scienziata che lavora per lo
stato, e dei due fratelli che spasimano per il suo amore,
mentre lei cerca di salvare
il mondo dal capitalista malvagio, Akmatov.
Con 850 distinte sequenze dichiarate in meno di 6 minuti,
l’uso ritmico
delle didascalie e dei frammenti di frase crea una potente poesia visiva.
Imbevuto della morbosità tipicamente casuale di Maddin e di un senso
dell’humour proprio dell’avanguardia, The
Heart of the World è il
più conciso – e forse più efficace – esempio
del caratteristico genio cinematografico del regista.
The Heart of the World, dopo i molti premi ed apprezzamenti
in Canada, negli Stati Uniti ed in Europa, si è velocemente affermato con uno
dei migliori cortometraggi mai realizzati. Ha ottenuto un Genie Award nella
categoria dramma breve con azione dal vivo ed è stato nominato miglior
film sperimentale dell’anno dalla National Society of Film Critics
(USA). – http://www.filmreferencelibrary.ca (sito del
Toronto International Film Festival Group)
Il lavoro di 6 minuti del regista canadese Guy Maddin,
un misto di musica, video, Eisenstein e science fiction,
dovrebbe
essere
visto
ad ogni costo.
Fungendo apparentemente anche da iper-storia del mondo
(o forse solo del cinema), The Heart of the World narra
in modo
quasi
subliminale la storia
di due fratelli – un “giovane impresario di pompe funebri” (Shaun
Balbar) ed un attore che interpreta Gesù Cristo (Caelum Vatnsdal)
- entrambi innamorati dell’eroica Anna (Leslie Bais), una “scienziata
statale” che, studiando il cuore della Terra, scopre che il mondo
rischia di morire d’infarto. (E non c’è da stupirsi,
con tutta quell’azione!) Sulla spinta di un accompagnamento orchestrale
sovietico, adeguatamente frenetico, questa folle corsa di immagini graffiate
e malferme obbliga il pubblico a tenere gli occhi quanto più spalancati
può per tutti i sei minuti – anche se non ci si sognerebbe
proprio di riuscire ad assorbire tutto quanto, neanche dopo una dozzina
di volte. È però difficile non cogliere il messaggio di Maddin:
Com’è macchinoso, com’è ridicolo, e com’è dannatamente
divertente questo nostro sciocco mezzo! – Rob Nelson,
citypages.com (sito Minneapolis-St. Paul)
A 6-minute short originally commissioned as part
of the Preludes series for the 25th anniversary of the
Toronto
International
Film Festival,
this multiple award-winning short film – heralded by many critics as “one
of the best films of the year, regardless of length” – is
a loving parody of the silent Soviet cinema of Sergei
Eisenstein and Vsevolod
Pudovkin, and of silent movie melodrama in general.
Evoking classic silent films, early horror films, chapter
serials, and
propaganda reels, The Heart of the World tells the mythic
story of Anna, a state scientist, and the two brothers
who vie for
her love
while she
tries to save the world from the evil Capitalist, Akmatov.
With a reported 850 separate edits in less than 6 minutes,
the film’s
rhythmic use of intertitles and sentence fragments creates a forceful visual
poetry. Possessed of Maddin’s typically casual
morbidity and
uniquely avant-garde sense of humour, The Heart of the
World is the most concise – and perhaps most successful – articulation of Maddin’s
signature cinematic genius.
The Heart of the World received a number of
awards and accolades in Canada, the United States, and
Europe, and
has very quickly
become considered
one of the best short films ever made. It scored a Genie
Award for Live Action
Short Drama and was named the year’s Best Experimental Film by the
National Society of Film Critics (USA). – http://www.filmreferencelibrary.ca
(Toronto International Film Festival Group website
Canadian director Guy Maddin’s six-minute music-video-cum-Eisensteinian-sci-fi-workout,
should be seen at all costs. Seeming to double as an aptly hyper history
of the world (or maybe just of movies), The Heart
of the World almost subliminally
relates the tale of two brothers – a “youth mortician” (Shaun
Balbar) and an actor (Caelum Vatnsdal) playing Jesus Christ – who
are both in love with the heroic Anna (Leslie Bais), a “state scientist” studying
the Earth’s core and discovering that the world is at serious risk
of death by heart failure. (And no wonder, with all that action!) Further
propelled by a suitably frantic Soviet orchestral score, the insane rush
of scratched, jumpy images compels you to keep your eyes as wide as possible
for the entire six minutes – even though you couldn’t dream
of absorbing it all even after a dozen viewings. Harder to miss is Maddin’s
message: How contrived, how ridiculous, and how goddamn exciting this silly
medium of ours! – Rob Nelson, citypages.com
(website, Minneapolis-St. Paul)
EINE HOMMAGE AN CHARLIE CHAPLIN (Stefan Pößiger,
D 2002)
Dir/prod: Stefan Pößiger; cast:
Marina Hartwig (Die Tochter / the daughter),
Claudia Herb (Die Mutter / the
mother), Andreas Berger
(Der Vater / the father), Mirko Scheit (Der
böse Professor / the
professor),
Michael Schneider (Der Gehilfe des Professors / the
professor’s assistant),
Manuel Stühn (Der Polizist/Der Radfahrer/Der Kellner
im Café/Das
falsche Mädchen / policeman/cyclist/waiter
in café/false girl),
Fatih Baran (Der Barkeeper in der Bar/Der Mann mit
dem Bart / barkeeper
in bar/man with beard), Andreas Rein (Der Gangster
in der Bar/Der Zeitungsleser im Café / gangster
in bar/newspaper-reader in bar), Barbara Bertram,
Nicole Reißfelder, Ute Harter (Die drei Damen
im Park / three women in the park), Hannah
Lemminger (Das kleine Mädchen / little girl),
Finn Lemminger (Das Baby / the baby), Hans-Jörg
Banaj (Der Barkeeper im Café / barkeeper
in café), Stefan Pößiger (Der
Autofahrer / car driver), Willi Schmider (Der
Landarbeiter / the old farmer), Artur Rotfuß (Ein
Tramp /
a tramp); a project of the School for
Deaf Children,
Freiburg-Stegen, website http://www.stummmfilmf.de.vu;
orig. format: Super-8; Digital video, 55’, Günter
A. Buchwald.
Didascalie in tedesco / German intertitles.
Accompagnamento musicale dal vivo di / Live musical
accompaniment by Günter
A. Buchwald.
Stefan Pößinger (34 anni) insegna alla scuola per bambini sordi
di Freiburg-Stegen. Era un musicista versatile finché non cominciarono
i problemi di udito; allora, nel suo ruolo di insegnante, si chiese, “Cosa
posso fare in campo artistico con i bambini sordi?
Musica? Teatro?”
“ UN FILM MUTO!”
Trovò così una macchina da presa Super-8 ed abbastanza pellicola
in bianco e nero da girare sì e no 8 minuti. Lasciò che i
bambini giocassero. Nel frattempo, gli avevano insegnato a doppiare ed
a far sparire la gente. La storia cominciò a prendere forma. Lasciò che
i bambini giocassero ancora … e la storia diventò sempre più lunga,
grazie al contributo di ognuno.
Successe tutto durante le vacanze scolastiche. Tutto
il sostegno, nonché la
parte adulta del cast, venne da privati cittadini. Vennero a girare a 200
metri da dove vivo io: ingiustizia! (E Stefan ancora non lo sa…)
Andando con la troupe in Svizzera per girare il finale
sulle Alpi, si trovò a
visitare la tomba di Charlie, mostrando così agli studenti qualcosa
di più di come si gira un film…
Il giorno prima della presentazione, il Freiburg Kommunales
Kino mandò qualcuno
da me a chiedermi, “Può suonare domani, per una cosa messa
in piedi da un insegnante? (Può essere una cosa valida…?)”
Beh, mi ritrovai a piangere un bel po’... – Günter
A. Buchwald
Stefan Pößinger (34) teaches at the School for Deaf Children
in Freiburg-Stegen. He was a versatile musician until he suffered hearing
problems. In his role as a teacher, he asked himself, “What can I
do with deaf children in the art sector – Music?
Theatre?
“— SILENT FILM!”
He found a Super-8 camera, and enough black-and-white stock to shoot maybe
8 minutes. He let the children play. Someone told him
how to dub, and how to make people disappear. The story began to take shape.
He let the children play more .... and the story grew longer and longer,
with everybody contributing ideas.
It all happened during the school holidays. All the
help – and the
grown-up actors – came from private people. The locations – about
200 metres from where I live: illegal! (Stefan still does not know…)
He went with his crew to Switzerland to shoot the Alpine
ending, and visited Charlie’s grave, showing
the pupils more than just how to make a film....
The day before the premiere, somebody from the Freiburg
Kommunales Kino crew came to me and asked, “Can
you play tomorrow for some stuff made by a teacher?
(Can this be good...?)”
Oh dear, I had more than one tear in my eyes... – Günter
A. Buchwald
THE MAGIC TREE (Wisconsin Bioscope, US 2003)
Dir/sc: Kat Nichols; prod: Dan Fuller; ph: Gabe Gronli;
cast: Kevin French, Max Fuller, Lynne Wisnefski;
35mm, 265 ft.,
4’ (16 fps), Communication
Arts Department, University of Wisconsin-Madison.
Didascalie in inglese / English intertitles.
Per prepararsi, gli universitari che compongono la
Wisconsin Bioscope Company si guardano i film della
concorrenza
(Edison, Vitagraph,
Pathé,
Biograph, Kalem, Essanay, Hepworth, Maddin) e si leggono 200 pagine di
istruzioni di tecnica cinematografica redatte da esperti, tra cui Billy
Bitzer, William C. de Mille, King Vidor, Henry King, Karl Brown, Joseph
Walker, Lillian Gish, Colleen Moore, Mae Marsh, Lon Chaney ed Anita Loos,
oltre ai meno noti Carl Lewis Gregory e Helen ed Inez Klumph. Imparano
anche a manovrare le due macchine da presa della compagnia (una Urban Bioscope
Modello D del 1907 ed una Universal del 1924) e la stampatrice Stineman
del 1918; si occupano inoltre delle didascalie e dello sviluppo. Tranne
per le pellicole, comperate dalla compagnia Eastman, la Wisconsin Bioscope è autosufficiente
per tutte le operazioni tecniche. I 15 che vi lavorano sanno anche rendersi
autosufficienti dal punto di vista artistico, visto che scrivono, dirigono
e recitano nei film che si autoproducono. Con così pochi dipendenti,
l’approccio della Wisconsin Bioscope è di tipo artigianale,
non industriale, ed ogni membro della compagnia dev’essere disponibile
a provare ogni tipo di incarico. Così la protagonista di Cadtastrophe,
Kat Nichols, divenne sceneggiatrice e regista della produzione successiva,
The Magic Tree. La sceneggiatura di quest’ultimo film fu rivista
diverse volte, eliminando un quarto personaggio e molti oggetti di scena.
Si era anche pensato ad effetti speciali quali le dissolvenze incrociate,
oppure a fermare e far ripartire la macchina durante le riprese, ma poi
fu preferito un metodo più semplice per presentare un misterioso
ingresso ed un’altrettanto misteriosa uscita. Anche le didascalie
per il film furono riscritte molte volte prima che la compagnia optasse
per una poesia che richiama le favole: Ciò che hai amato / Ciò che
hai perduto / Quest’albero restituisce /Ma va pagato. – Dan
Fuller
To prepare for their work, the university students
who compose the Wisconsin Bioscope Company watch
competitors’ films (Edison, Vitagraph, Pathé,
Biograph, Kalem, Essanay, Hepworth, Maddin) and read 200 pages of instruction
in film technique by experts, including Billy Bitzer, William C. de Mille,
King Vidor, Henry King, Karl Brown, Joseph Walker, Lillian Gish, Colleen
Moore, Mae Marsh, Lon Chaney, and Anita Loos, as well as the lesser-known
Carl Lewis Gregory and Helen and Inez Klumph. They learn to operate the
firm’s two cameras (a 1907 Urban Bioscope Model D and a 1924 Universal),
the 1918 Stineman printer, and to shoot titles and develop film. Except
for the film stock, bought from Mr. Eastman’s company, Wisconsin
Bioscope is self-sufficient in its technical operations. Its 15 workers
also make it self-sufficient artistically, as they write, direct, and act
in the films they produce. With so few workers, Wisconsin Bioscope’s
approach to filmmaking is artisanal, not industrial.
Each member of the company must be willing to try
any job. Thus
the female lead of Cadtastrophe,
Kat Nichols, became the writer and director of the
next production, The Magic Tree.
The scenario for The Magic Tree was revised several
times, eliminating a fourth character and many props.
Special
effects like lap-dissolves
and stopping and starting the camera during the shot
were considered before
a simpler method of achieving a mysterious entrance
and exit was chosen. Also, the titles for the film
were rewritten
many times
before the
company settled on a rhyme reminiscent of a fairy
tale: What
you have loved /
What you have lost / This tree returns / At a great
cost. – Dan
Fuller
“
PIPE DOWN!” (Moving Pictures Films, GB 2004)
Dir/sc/concept: Seth Watkins; prod: Guy Thomson; special
thanks to:
Paul Smith; Digital video, 2’, bn / b/w, Moving
House Films.
Didascalie in inglese / English intertitles.
Il produttore di questo slapstick animato, Guy
Thomson, scrive provocatoriamente: “‘Pipe
Down!’ è l’unica testimonianza conservatasi di una partnership
che dallo schermo catturò i cuori e le menti del pubblico degli
anni Venti. Sidney Garnet e Chester Albright attirarono le platee per più di
30 anni, prima che la loro carriera venisse stroncata da un tragico incidente
che avrebbe stupito allo stesso modo zoologi e dentisti. Con trascorsi
da music hall, come moltissime altre star del muto, Garnet ed Albright
si affermarono presto come i ‘Fenwick e Robespier’ della scena
di Londra. Garnet, un noto proctologo, si era fatto strada partendo da
zero, mentre Albright, figlio di Lord Albright, aveva sempre mostrato grande
interesse per la zootecnia, fino a restarci invischiato. Si narra che il
duo si fosse incontrato in un negozio. Il passaggio al cinema fu attentamente
ponderato; Garnet ed Albright, prudentemente, vollero vedere come se la
cavava Chaplin prima di imitarlo. La loro partnership durò lo spazio
di 6 film, 5 corti ed il famigerato film a 22 rulli Today
Dog, Tomorrow...Maybe Pheasant?, che avrebbe segnato l’inizio della fine, rispecchiando
stranamente la tragedia reale che sarebbe accaduta in seguito. Dei 5 corti
che potrebbero essersi conservati, ‘Pipe
Down!’ è considerato
dagli esperti come ‘probabilmente il migliore, ma tanto erano tutti
molto simili,’ così eccolo presentato
qui nella sua interezza, come originariamente intendeva
il regista.”
The producer of this slapstick animation, Guy
Thomson, writes defiantly: “‘Pipe
Down!’ is the only surviving evidence
of a screen partnership that captured the hearts
and
minds of the theatre-going
public of the 1920s. Sidney Garnet and Chester
Albright floored audiences for over 30 years before
their career was cut short in a tragic accident
that was to baffle zoologists and dentists alike.
Beginning in music hall, like so many silent stars,
Garnet and Albright soon established themselves
as the ‘Fenwick and Robespier’ of
the London stage. Garnet, an eminent proctologist,
had come up the hard way, whereas Albright, son
of Lord Albright, had always shown a great interest
in animal husbandry, until he was caught at it.
Famously the duo met at a shop. The move to bring
the act to film was not taken lightly; Garnet and
Albright cautiously waited to see how Chaplin fared
before stepping up and copying him. The partnership
lasted only 6 films, 5 shorts and the infamous
22-reeler Today Dog, Tomorrow...Maybe Pheasant?,
which was to mark the beginning of the
end, and eerily
mirror the real-life
tragedy
that would mark the end of the end. Of the 5 shorts
that could have survived, ‘Pipe Down!’ is
regarded by experts as probably the best of the
bunch, but they were all much of a muchness anyway’,
and so here it is presented, as originally intended
by its director, in its entirety.”
THE SCAPEGOAT (Porkpie Films, US 2003)
Dir/sc/ed: Darren Ng; prod: Darren Ng, Derrick Ng, Darryl Ng; ph: Derrick
Ng; mus: Daniel Tobias, Rami Bar-Niv; cast: Darren
Ng (College Student), Scott Honey (Bully), Cassandra Chan (Girl), Darryl
Ng (Thug),
Derrick Ng (Thug) Bernice Ng (Bully’s girlfriend); Digital video, 23’,
b/n e colore / b/w & color, sonoro / sound [Giornate showing silent, with live musical accompaniment], Darren
Ng.
Didascalie in inglese / English intertitles.
“
Quando mi imbattei per la prima volta nei film di Keaton fui veramente
stupito dalla sua presenza scenica e dal talento fisico. Dopo aver osservato
le sue interpretazioni, e trovandomi così ad apprezzare di più i
film muti, sentii che girare un film muto al giorno d’oggi avrebbe
reso più persone consapevoli dell’arte insita in quel tipo
di cinema e, speravo, le avrebbe spinte ad apprezzarlo di più. Buster
Keaton era indubbiamente il re delle commedie slapstick. Io spero di aver
raggiunto la meta che era anche sua, cioè – semplicemente – far
ridere il pubblico grazie alla comicità fisica.” – Darren
Ng
“
Nei suoi cortometraggi incentrati su una serie di equivoci (romantici e
non) in un campus, Darren Ng azzecca proprio le caratteristiche di Keaton.
Ci sono momenti di acrobazie virtuosistiche, trame incredibilmente complesse,
incontri casuali, oltre ovviamente alle aspirazioni romantiche dell’eroe,
nobili, incomprese e frustrate.
Quanto più si sa dello stile di Keaton, tanto più si apprezza
lo sforzo che sta dietro The Scapegoat. Come Keaton, Ng ha accuratamente
elaborato le azioni fisiche, facendole fluire in modo naturale dalla logica
del racconto. Come Keaton, Ng inventa situazioni in cui il suo eroe sembra
alla mercé di eventi casuali che sono, in effetti, accuratamente
coreografati. Come Keaton, Ng unisce le acrobazie ed il balletto in un
portamento fisico che in qualche modo sopravvive agli imprevisti ed alle
cadute sul sedere. The Scapegoat è un affettuoso omaggioad un grande
artista, ed un film che merita appieno di essere accostato alla sua fonte.” – Roger
Ebert
Darren Ng studia optometria all’Università di California,
a Berkeley. La sua scoperta di Keaton risale all’ammirazione per
Jackie Chan, che cita sempre Keaton tra le principali fonti d’ispirazione.
Il film fu girato perlopiù al campus di Berkeley; tra gli edifici
storici visibili nelle scene dell’inseguimento ci sono Sather Gate
e la torre del Campanile. Per risparmiare, l’intera famiglia di Ng
fu coinvolta nella produzione, così il bilancio finale delfilm si
attestò sui 300 dollari. L’investimento più dispendioso
fu il cappello a cupola, costato più del vestito e del noleggio
della macchinina per il golf messi assieme. – comunicato
stampa
“
When I first came upon Keaton’s films, I was truly amazed with his
on-screen comedic and physical talents. After watching his performances,
I gained a greater appreciation for silent films. I felt that making a
modern-day silent film would help more people become aware of the art of
silent films and to hopefully gain an appreciation for it. Buster Keaton
was undoubtedly the king of slapstick comedy. I hope I was able to achieve
Keaton’s goal, which was simply making the audience laugh through
physical comedy.” – Darren Ng
“
In his short film about a series of misunderstandings (romantic and otherwise)
on a campus, Darren Ng gets those Keaton qualities just right. There are
moments of virtuoso acrobatics, amazing plot complexities, coincidences,
chance meetings, and of course the hero’s
romantic ambitions, which are noble and misunderstood
and thwarted.
“
The more you know about the Keaton style, the more you appreciate the thought
and effort that went into The Scapegoat.
Like Keaton, Ng has been painstaking in working
out the physical actions and making them seem
to flow naturally
out of the logic of the story. Like Keaton, he
devises situations in which his hero seems to
be at the mercy of random events which are, in
fact,
lovingly choreographed. Like Keaton, he combines
acrobatics and ballet into physical poise that
somehow survives the setbacks and pratfalls.
The
Scapegoat is a loving tribute to a great
artist – and a film that
fully deserves comparison with its inspiration.” – Roger
Ebert
Darren Ng is an optometry student at the University
of California, Berkeley. He discovered Keaton
through his
admiration of
Jackie Chan, who always
credits Keaton as a major source of inspiration.
The film was mostly shot on the Berkeley campus.
Historical
landmarks
seen
in the chase
scenes include
Sather Gate and the Campanile clock tower. To
save money, the entire Ng family took part in
the production.
The
final budget
for the
film was $300.
The most costly investment was the porkpie hat,
which cost more than the suit and golf-cart rental
combined. – press
release